CONCLUSIÓN

Para concluir con el trabajo realizado en este primer trimestre en la materia Morfología Visual del colegio San José Adoratrices, me propongo escribir mi opinión personal. El estudio de los movimientos artísticos más importantes de los siglos XIX y XX me resultó un trabajo interesante, enriquecedor y muy productivo.
Aprendí acerca de las distintas escuelas, los artistas más representativos de las mismas, sus técnicas e ideas. Lo que más me interesó de esta investigación y conocimiento de los movimientos fue el por qué de estas pinturas: las ideologías, críticas, ideas e opiniones reflejadas en una simple pintura. Puedo, por ejemplo, establecer la razón por la que el arte pop representaba una crítica al consumismo característico de la época en la que se ubica; cuando antes, a pesar de tener conocimientos acerca de las pinturas, no tenía idea del significado detrás de ellas. Creo que es muy importante tener en cuenta esto que se esconde en cada movimiento, ya que (a pesar de no ser visto) es la parte más importante.
Personalmente, mi movimiento favorito fue el surrealismo. Me atrapó mucho esa idea de exponer la interpretación que hace el artista de la realidad desde el inconsciente. El absurdo, la desorientación, lo paradójico y la discordancia de los cuadros me fascinó a tal punto que terminé pasando mucho tiempo intentando interpretar los distintos detalles de cada obra surrealista que observaba. Mi artista favorito perteneciente a este movimiento es Frida Kahlo. Me resultaron atrapantes el documental que vimos en clase, el modo que tenía de intentar plasmar todo su sufrimiento en el lienzo y ese "reflejar su realidad" mediante la pintura. Otra razón por la que me gustó esta artista es debido a que logró hacerse un nombre en el mundo del arte a pesar de ser mujer. Sus obras, la complejidad de su vida, sus homenajes a la mujer y sus reflexiones me resultaron sumamente interesantes.
Puedo remarcar también la utilidad del estudio de los movimientos en espacios en la web. Esta innovadora forma de trabajar es atrayente, y me pareció una gran manera de ordenar nuestro material de estudio.

NEOEXPRESIONISMO

¿CUÁNDO?
El neoexpresionismo es un movimiento pictórico surgido a finales de los años setenta y principios de los años ochenta en Alemania, desde donde se extendió por el resto de Europa y Estados Unidos.
Claramente el inicio de este decenio está marcado por el aumento de las tensiones de la Guerra Fría entre Estados Unidos y la Unión Soviética. La amenaza nuclear se hace más potente que nunca, por lo que a mediados de la década se produce un acercamiento entre los dos bloques, que se ve favorecido principalmente por las políticas conocidas en Occidente como Glásnost y Perestroika, del mandatario soviético Mijaíl Gorbachov. El terrorismo internacional que se venía presentando desde la década anterior se intensifica y Estados Unidos ataca la Libia de Muamar Gadafi, como represalia por ataques terroristas supuestamente patrocinados por ese país. En el ámbito latinoamericano, Perú que salía del Gobierno Revolucionario de las Fuerzas Armadas por 11 años y que retornaba a la democracia de forma dictatorial, se enfrenta al movimiento terrorista maoísta Sendero Luminoso, que inicia su lucha armada en Ayacucho y que poco a poco fue incursionando en la capital. En el plano económico, el presidente de Estados Unidos, Ronald Reagan, presenta una serie de medidas económicas de libre mercado, popularmente conocidas como Reaganomics, que sientan las bases de la economía neoliberal de los años venideros. Por otra parte, las diferencias en el desarrollo entre los diferentes pueblos del mundo se evidencian con la hambruna que devasta a varios países de África. En Etiopía la situación se torna particularmente dramática debido a la sequía.

¿QUÉ?

Fuertemente vinculado a la transvanguardia italiana y la figuración libre francesa, este estilo surgió como una reacción contra el minimalismo y el arte conceptual que predominaron durante los años setenta. El neoexpresionismo se caracteriza por su agresividad, sus descarnados temas, la forma en que estos son tratados y el uso de imágenes fácilmente reconocibles como el cuerpo humano, generalmente dibujadas de manera muy burda.

El neoexpresionismo se inspira en el expresionismo alemán y sus exponentes, además de otros artistas con estilo altamente emotivo; igualmente se nutren del arte tradicional, especialmente el germánico. De todas formas, al contrario que la transvanguardia italiana, los neoexpresionistas no rompen con el arte de su país inmediatamente anterior a ellos, aceptando como maestros grandes artistas de los setenta.

Se propone retomar la figuración desde su tratamiento violento y primitivo, determinado por la pincelada y el uso de colores contrastantes, aunque conservando la disposición tradicional de la composición.

¿CÓMO?

Características

• Retorno a las imágenes de tipo expresionista.
• Gusto por la fusión o combinación de elementos de tendencias anteriores.
• Yuxtaposición de elementos figurativos y abstractos: generalmente fondos a base de manchas o franjas de color sobre los que se disponen figuraciones contrastantes.
• Figuración (generalmente no imitativa) a base de formas esquemáticas de carácter emocional y expresivo.
• Representación de objetos de modo intuitivo y sin atender a su perspectiva dentro del conjunto de la obra.
• Ejecución de trazos amplios.
• Preferencia por el óleo, aunque es frecuente la combinación con otras técnicas (acrílicos, pinturas industriales, temple, acuarela, fresco).
• Preferencia por la pintura empastada, que puede ser mezclada con otros materiales (paja, arena, yeso, etc.).
• Temática amplia (mitologías individuales o de la cultura nacional, símbolos del poder, figuras heroicas, temas bélicos, dramáticos y satíricos, etc.) con predominio de la figura humana.
• Variedad de planteamientos expresivo-formales: abstractivo (Lüpertz), fauvista (), matérico (Kiefer), primitivista (Baselitz), sígnico (Penk).

¿QUIÉN?

Anselm Kiefer (Donaueschingen, 8 de marzo de 1945) es un pintor y escultor alemán, adscrito al Neoexpresionismo, una de las corrientes del arte postmoderno surgida en los años 80. Vivió su infancia en Rastatt, pasando a estudiar artes plásticas en Friburgo de Brisgovia, en Karlsruhe con el profesor Horst Antes y en Düsseldorf, donde fue alumno de Joseph Beuys. También estudió Derecho y lengua francesa. Sus primeras realizaciones, siguiendo la estela de Beuys, se centraron en el terreno de la instalación y el happening, pasando a la pintura en los años 70. En 1969 presentó su primera exposición individual con la serie de pinturas Ocupaciones, en Karlsruhe. Ha expuesto en la Documenta de Kassel , las Bienales de Venecia y París  y en la Städtische Kunsthalle de Düsseldorf (1984), y tiene una importante colección en el Museo Guggenheim de Bilbao (1990).

Kiefer es uno de los artistas alemanes posteriores a la Segunda Guerra Mundial más conocidos, pero también de los más controvertidos. Famoso sobre todo por sus pinturas matéricas, en su obra Kiefer afronta el pasado y toca temas tabú de la historia reciente alemana, sobre todo del nazismo.

Para pintar el cuadro Margarethe (1981), por ejemplo, se inspiró en uno de los poemas más famosos de Paul Celan, Todesfuge, escrito a partir de su experiencia en los campos de concentración.

Fuentes:

http://es.slideshare.net/GabrielRojas1/neoexpresionismo-17296660

http://www.arteseleccion.com/movimientos-de/neo-expresionismo-33

http://tayete.blogspot.com.ar/2011/07/visto-ultimamente-anselm-kiefer.html

http://www.independent.co.uk/arts-entertainment/art/great-works/margarete-1981-by-anselm-kiefer-saatchi-collection-970630.html

http://es.wikipedia.org/wiki/Neoexpresionismo

http://es.wikipedia.org/wiki/Anselm_Kiefer

HIPERREALISMO

¿CUÁNDO?
Nacido en la West-Coast de los Estados Unidos a finales de los años 60 del siglo XX, el hiperrealismo se promovió en Europa por la V Documenta (1972) de Kassel y fue confirmado por la exposición que Uldo Kulterman presentó en París bajo ese nombre. En la década de los 1920, los pintores del precisionismo ya trabajaron con la ayuda de fotografías fielmente reproducidas (como en el caso de Charles Sheeler, pintor y fotógrafo a la vez). Pero es innegable que el arte pop sigue siendo el precursor inmediato del hiperrealismo, pues toma la iconografía de lo cotidiano, se mantiene fiel a la distancia de su enfoque y produce las mismas imágenes neutras y estáticas.
El conflicto árabe-israelí y la etapa final de la guerra de Vietnam dominan la mayor parte de la vida política de los años 1970. El mercado del petróleo se ve sacudido por las disposiciones de la Organización de Países Exportadores de Petróleo que arrastra a los países industrializados a una crisis en el sector energético y por ende a toda la industria y la sociedad. Se da un bloqueo en el suministro del petróleo y ahora son las naciones productoras las que fijan los precios del combustible.

¿QUÉ?

Conocido también como realismo fotográfico o realismo radical, el hiperrealismo es la escuela pictórica de tendencia realista más absoluta de la historia. El hiperrealismo pretende ofrecer una versión minuciosa y detallada de las imágenes. Los artistas hiperrealistas tratan de buscar, con el más radical de los verismos, una transcripción de la realidad usando los medios técnicos y fotográficos de la manipulación de las imágenes. Consiguen con la pintura al óleo o la escultura, el mismo detallismo y encuadre que ofrece la fotografía. A veces se confunde con el fotorrealismo que es menos radical.

¿CÓMO?

Algunos representantes de este estilo trabajan a partir de fotografías, tratando con igual agudeza y precisión todo el cuadro.
En algunos caso se utilizan grandes tamaños de cuadros y pintura plana, que aspiran a producir la impresión de inmensas ampliaciones fotográficas.
Se va de lo real a la fotografía y de la foto al cuadro, reafirmando dos veces lo real o, tal vez, distanciándose doblemente del objeto; no hay una mirada subjetiva sobre la realidad, puesto que las imágenes son frías.
Cuándo apreciamos una buena obra hiperrealista, asistimos al más notable triunfo de la representación, debido a la máxima eficacia del oficio como modo de producción y método de apropiación de la realidad visible.
Pero también es cierto que se produce saturación de la información visual: el apego a la transcripción objetiva normalmente dificulta el despliegue de una audacia imaginativa mayor o divertimentos cromáticos que permitan las necesarias sugerencias poéticas de las imágenes expuestas.

¿QUIÉN?

Antonio López es el mayor de cuatro hermanos (Josefina, Diógenes y Carmen). Sus padres eran labradores acomodados de la localidad castellano manchega de Tomelloso y su casa estaba situada en la calle Domecq. Su temprana vocación por el dibujo, así como la influencia de su tío, el pintor Antonio López Torres, conformaron su decisión de dedicarse a la pintura.

En 1949 se trasladó a Madrid para preparar su ingreso en la Academia de Bellas Artes de San Fernando, donde coincidió con diversos artistas como Enrique Gran, Amalia Avia, y Lucio Muñoz, con los que conformó lo que se ha venido a llamar Escuela madrileña. Permaneció en la academia entre 1950 y 1955. En 1955, y gracias a una beca, viajó a Italia, donde conoció de primera mano la pintura italiana del Renacimiento. Sufrió así una pequeña decepción al contemplar en vivo las obras maestras que sólo conocía por reproducciones, y que hasta ese momento veneraba. Comenzó a revalorizar la pintura clásica española, que tan bien conocía, gracias a las frecuentes visitas al Museo del Prado, especialmente Diego Velázquez.

Tras terminar los estudios realizó sus primeras exposiciones individuales, en 1957 y 1961 en Madrid, mientras trabajaba tanto en esta ciudad como en la localidad que le vio nacer. En 1961 se unió en matrimonio a la también pintora María Moreno, unión de la que nacieron dos hijas: María en 1962 y Carmen en 1965. Desde este último año y hasta 1969 fue profesor encargado de la Cátedra de preparatorio de colorido en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando.

Este cuadro fue pintado por Antonio López, en épocas diferentes. Abandonó el cuadro en 1962, cuando su amigo Lucio Muñoz aún vivía allí, y volvió a retomarlo en 1990, pidiéndole permiso al que en ese momento era dueño de la casa. El artista ha querido plasmar la mordedura del tiempo.Se puede observar que el cuadro esta dividió en dos épocas diferentes, a la derecha del hierro central verde, la parte más antigua, la primera que pintó y la izquierda, es más actual, los edificios ya no son los tradicionales.

Desde la terraza, el arista plasma la imagen de una calle de Madrid que puede ver desde aquella terraza de su gran amigo Lucio. Los colores que eligió para representar su obra son una gama de colores fríos y cálidos. Para los edificios nuevos y el suelo de la terraza, la gama cálida, y para el muro y el edificio más antiguo, la gama de colores fríos.En el primer plano de la obra, se presenta un muro amarillo, que llega hasta la mitad del cuadro más o menos, descascarillado por la humedad, se alza encima de un canalón rectangular que recoge el agua de lluvia. Todo esto está construido encima de un suelo de hormigón, color teja.

El muro desemboca en la parte derecha de la obra, en una pared perteneciente a un edificio blanco con los tejados azules. Pared que sirve de apoyo para unas ramas viejas de rosal con apenas flores, que crecen al pie de un pequeño escalón enmohecido.Sobre los tejados de ese frio edificio, sobresale la estructura de otro muy parecido, pero esta vez, con una toldilla verde, casi inapreciable, que se esconde detrás de una pequeña chimenea de tubo marrón.En la parte de la izquierda, los edificios son más propios de la segunda época de la obra. Son una línea constante de bloques color ladrillo. No son excesivamente altos, por lo cual, será un barrio residencial de clase media.En los largos balcones de algunas de ellas es fácil apreciar la figura de alguna planta.Al fondo de la obra, se puede apreciar un piso, colocado de frente, que actúa como punto de fuga de las líneas que pueden trazar los edificios primeramente descritos.

El cielo, no está pintado como en otras de sus obras. No está realizado sobre un horizonte definido. El cielo diáfano, se deja ver entre los huecos de los edificios, y por la parte superior de la obra.Cabe destacar un detalle curioso. Se pueden ver unas líneas que dividen el cuadro en diferentes rectángulos. Esas líneas, son producidas por la unión de varias tablas sobre las que ha pintado el artista. El pintor sintió, en su momento, la necesidad de ampliar la obra para poder expresar mejor su significado, y por ese motivo se vio obligado a ampliar la misma uniendo diferentes tablas.

En general todas las figuras que ha dibujado están muy perfiladas y definidas. Aquí los elementos de composición que predominan son rectángulos y cuadrados. Y si se agudiza la vista se puede llegar a darse cuenta de que Antonio no termino la obra por completo, ya que en la esquina superior derecha, la obra no va hasta los vértices de las tablas.

Fuentes:

http://es.wikipedia.org/wiki/Hiperrealismo

http://www.artelista.com/hiperrealismo.html

http://lomascurioso.es/los-16-pintores-hiperrealistas-mas-famosos-del-mundo/

http://ar.answers.yahoo.com/question/index?qid=20091101164619AALF0Aq

http://www.portaldearte.cl/terminos/hiperrealismo.htm

https://sites.google.com/site/terceroesocalasanz/terraza-de-lucio

http://es.wikipedia.org/wiki/Antonio_L%C3%B3pez_Garc%C3%ADa

POP ART

¿CUÁNDO?
El Pop Art o Arte Pop es un movimiento artístico visual, que nació tanto en Inglaterra como en Estados Unidos en la década de 1950. Sin duda el nacimiento de este movimiento  es el reflejo de unos años turbulentos; la cultura de la post-guerra. Recién había terminado la Segunda Guerra, la que sabemos que fue bastante terrible y cruda. El mundo estaba dividido ahora en dos polos: La U.R.S.S Y Estados Unidos. Esta era una guerra más bien ideológica, de dos maneras de percibir el mundo; dos mesianismos. Puede afirmarse que el pop-Art es el resultado de un estilo de vida, la manifestación plástica de una cultura (la popular del capitalismo desarrollado) caracterizada por la tecnología, la moda y el consumo, donde los objetos dejan de ser únicos para producirse en serie.
Este movimiento artístico quiso ir contra todas las leyes y cánones establecidos. Sus artistas fueron reacios a la enseñanza oficial de la Escuela de Artes Plásticas, por lo tanto, promovieron su renovación siguiendo las nuevas corrientes abstractas. Esto nos muestra claramente una rebeldía y absurdo ante la realidad en la que vivían. El por art fue uno de muchos movimientos que intentó transmitir este sentimiento.

¿QUÉ?

El arte pop fue un importante movimiento artístico del siglo XX que se caracteriza por el empleo de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación, tales como anuncios publicitarios, comic books, objetos culturales «mundanos» y del mundo del cine. El arte pop, como la música pop, buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura existente en las Bellas Artes, separándolas de su contexto y aislándolas o combinándolas con otras, además de resaltar el aspecto banal o kitsch de algún elemento cultural, a menudo a través del uso de la ironía. Los artistas del Pop Art se caracterizaron por pintar en lenguaje figurativo, temas tomados de la sociedad de consumo, los temas y objetos que más interesaban a la gente, mostrando esas imágenes en una forma artística. Se dan uso a imágenes que antes se consideraban indignas para el arte como publicidad, carteles, revistas, periódicos, embases de bebidas como la coca-cola, paquetes de cigarros, imágenes del cine o la televisión, etc.

¿CÓMO?

Andrew Warhol (agosto 6, 1928 hasta febrero 22, 1987), conocido como Andy Warhol, fue un pintor, grabador y director de cine que fue una figura destacada en el movimiento de arte visual conocido como el arte pop. Después de una exitosa carrera como ilustrador comercial, Warhol se convirtió en mundialmente famoso por su trabajo como pintor, cineasta de vanguardia, productor, escritor y miembro de los círculos sociales muy diversos que incluyen la gente bohemia de la calle, destacados intelectuales, celebridades de Hollywood y los ricos los clientes. Warhol ha sido objeto de numerosas exposiciones retrospectivas, libros y películas y documentales. Él acuñó la expresión utilizada "15 minutos de fama." En su ciudad natal de Pittsburgh, Pennsylvania, El Museo Andy Warhol existe en la memoria de su vida y obras de arte.

Latas de sopa Campbell (cuyo título original en inglés es Campbell's Soup Cans), también conocida como 32 latas de sopa Campbell, es una obra de arte producida en 1962 por el artista estadounidense.

Para Warhol, un ilustrador comercial que se convertiría en un exitoso autor, pintor y director de cine, esta obra constituyó su primera exposición individual en una galería de arte como artista profesional. La obra, expuesta por primera vez en la Galería Ferus de Los Ángeles, marcó el debut del arte pop en la Costa oeste de los Estados Unidos. Al principio, la combinación del proceso semimecanizado, el estilo y el tema comercial causaron molestia, ya que el evidente comercialismo mundano representaba una afrenta directa a la técnica y filosofía delexpresionismo abstracto, un movimiento artístico que fue dominante durante el periodo posterior a la Segunda Guerra Mundial y que se aferraba no sólo a los valores y la estética de las «Bellas Artes», sino también a una inclinación mística. Esta controversia condujo a un gran debate acerca de la ética y los méritos que suponían tal trabajo. Los motivos de Warhol como artista fueron cuestionados, y lo continúan siendo hoy en día. La gran conmoción pública ayudó a transformar a Warhol de un experimentado ilustrador comercial de los años 1950 a un notable artista de bellas artes, y lo hizo distinguirse de otros artistas pop emergentes. Aunque la demanda comercial por sus pinturas no fue inmediata, la relación de Warhol con el tema llevó a que su nombre se convirtiera en sinónimo de las pinturas de Latas de sopa Campbell. 

Fuentes:

http://popart22.blogspot.com.ar/2005/12/contexto-histrico-pop.html

http://es.wikipedia.org/wiki/Latas_de_sopa_Campbell

http://artpop.htmlplanet.com/popart.htm

https://es.wikipedia.org/wiki/Arte_pop

OP ART

¿CUÁNDO?
El Op Art surge a finales de la década de los '50, para asentarse en los años '60.
Al comienzo de la década de 1950 asistimos a los momentos de mayor confrontación prebélica entre los bloques formados por EEUU y sus aliados y la URSS y sus aliados, en la llamada Guerra Fría, que surgió al término de la Segunda Guerra Mundial. Momentos de enorme tensión se produjeron a partir del derribo del avión espía norteamericano “U2” sobre territorio soviético, o durante la conocida como "Crisis de los misiles de 1962", que los analistas consideran puso al mundo al borde del inicio de una tercera guerra mundial.Este comienzo de la década es representativo de un período que estaría caracterizado por las confrontaciones internacionales y las protestas de una ciudadanía cada vez más crítica con las acciones de sus gobernantes y la situación que se dibujaba en el mundo tras la recuperación económica de la posguerra: movimientos de protesta contra la Guerra de Vietnam; contra la invasión de los tropas soviéticas en Checoslovaquía, en la Primavera de Praga; en Mayo del 68 contra el orden establecido, durante las revueltas estudiantiles y sindicales que se inician en Francia y se extienden rapidamente por otros paises, etc.

Además, ocurren numerosos avances dentro del campo de las tecnologías: aparecen los primeros autómatas, surge la cibernética, aparece la informática, se desarrolla tecnológicamente la medicina, se investiga sobre la energía nuclear, EEUU coloca el primer ser humano en la luna.

¿QUÉ?

Su finalidad es la de producir la ilusión de vibración o movimiento en la superficie del cuadro. Se diferencia del arte cinético por la total ausencia de movimiento real. Fue rápidamente aceptado por el público por su estudiadas formas, que influyeron en otras áreas del arte como la publicidad, la gráfica y la moda.

En las obras de op art el observador participa activamente moviéndose o desplazándose para poder captar el efecto óptico completamente, por tanto se puede decir que no existe ningún aspecto emocional en las obras.ras la Segunda Guerra Mundial aparece una nueva generación de artistas abstractos. No sólo se preocupan por comunicar con sus obras un sentimiento, sino que exigen del espectador una actitud activa. En sus obras el ojo debe estar mirando una obra que se mueve, buscando el principio y el fin. 

Aunque el movimiento no sea real, el efecto es de total dinamismo. En la retina se perciben vibraciones, altibajos, formas que emergen y se retroatraen.

¿CÓMO?

Mediante la repetición de formas simples y un habilidoso uso de colores, luces y sombras, los artistas ópticos lograban en sus obras amplios efectos de movimiento, brindándole total dinamismo a superficies planas, las cuales terminaban siendo ante el ojo humano espacios tridimensionales llenos de vibración, movimiento y oscilación. Los elementos dominantes del arte óptico son: líneas paralelas rectas o sinuosas, los contrastes cromáticos marcados, ya sean, poli o bi-cromáticos, los cambios de forma o tamaño, la combinación o repetición de formas o figuras; también utiliza figuras geométricas simples como rectángulos, cuadrados, triángulos o círculos.

¿QUIÉN?

Victor Vasarely (Pecs, 1908 - París, 1997): Pintor húngaro afincado en París. Se empeñó en incorporar la dimensión temporal a la forma plástica, camino iniciado ya por los futuristas y Duchamp. Su pintura se basa en el rigor científico y combina las leyes de la física y el conocimiento de la geometría, junto a las cualidades perceptivas del color y su influencia en la percepción visual. Su obra no se basó tanto en la belleza de las formas como en la sorpresa visual que producen, motivada por el engaño perceptivo.

Entre 1927 y 1929 estudió en la Academia Poldini-Volkman de Budapest y en 1930 se instaló en París, donde trabajó como creador gráfico para agencias de publicidad. Tras un periodo de expresión figurativa, opta por un arte abstracto constructivo y geométrico, interesándose por la perspectiva sin puntos de fuga.

Entre 1936 y 1948 participa regularmente en el Salón de los Surindependientes y en el Salón de las Nuevas Realidades. A partir de 1948 expone habitualmente en la galería Denise René. En los años cincuenta introduce nuevos materiales en su trabajo (aluminio, cristal) y comienza a realizar obras de integración con el espacio, como Homenaje a Malevich. En los años sesenta participa en numerosas exposiciones colectivas, como The Responsive Eye del Museo de Arte Moderno de Nueva York, así como individuales en Europa y América.

Étude de mouvement:

Este cuadro fue hecho en 1939.

Da la sensación del movimiento de las olas con esas curvas más finas y gruesas de color negro cobre el fondo marrón claro casí anaranjado.

Esa figura que se puede ver flotando es un corcho usado en la pesca de color rojo que le da un enfoque atractivo a la imagen.

Fuentes:

http://funversion.universia.es/tendencias/reportajes/arte_optico.jsp

http://es.slideshare.net/ARROBA/opart

https://es.wikipedia.org/wiki/Op-art

https://es.wikipedia.org/wiki/D%C3%A9cada_de_1960

http://historiavictorvasarely.blogspot.com.ar/

http://ineselo69.blogspot.com.ar/2010/08/victor-vasarely.html

SURREALISMO

¿CUÁNDO?
El Surrealismo o Superrealismo (del fr. surrealisme, sobrerrealismo) es el movimiento artístico nacido en Francia después de la I Guerra Mundial.
El 28 de junio de 1919 en el Salón de los Espejos del Palacio de Versalles fue firmado el Tratado del mismo nombre, que puso fin a la Primera Guerra Mundial. El acuerdo coronaba un proceso de paz, iniciado seis meses antes, con la firma del armisticio que en noviembre de 1918 acordó el cese de las hostilidades. Los imperios centrales perdieron la guerra. El Tratado de Versalles implicó para Alemania no sólo su desmembramiento territorial y la aceptación de una deuda de guerra de 33 mil millones de dólares, sino un desarme casi total del ejército y la flota. Por su parte, Austria se vio obligada a reconocer la independencia de Polonia, Checoslovaquia, Yugoslavia y Hungría, y a ver reducido su territorio a un pequeño país del centro de Europa. Las nuevas fronteras delimitadas en el tratado dejaron desconforme a la mayoría de los países, y constituirán el germen de una nueva guerra mundial.
El Surrealismo puede dar sentido por sí solo al movimiento vanguardista. La capacidad imaginativa y la sugerencia de sus construcciones mentales significaron, sin duda, una verdadera revolución en el arte posterior a la Primera Guerra.

¿QUÉ?

El Surrealismo creía en la existencia de otra realidad y en el pensamiento libre. Plasmó un mundo absurdo, ilógico, donde la razón no puede dominar al subconsciente. Tomó del Dadaísmo, la importancia del azar y la rebeldía, pero rechazó su carácter negativo y destructivo. Posteriormente buscó inspiración en el inconsciente, la imaginación, el método de la escritura automática y el estudio de las teorías del psicoanálisis de Freud, quien ejerce una influencia decisiva en el movimiento. Sus teorías acerca del mundo autónomo de los sueños, de la capacidad automática de la psiquis, del profundo y oscuro mundo interior de la mente -el subconsciente o inconsciente- aparecen como reveladoras de una nueva naturaleza del arte humano. Breton comienza a estudiar al psicoanalista vienés ya en 1916 -tres años antes de que se conocieran él y Tristan Tzara- y desarrollará un amplio caudal de conocimientos sobre dichas teorías.

Imágenes de la pintura surrealista:

- Formas abstractas o figurativas simbólicas que intentan plasmar las imágenes de la realidad más profunda del ser humano, el subconsciente y el mundo de los sueños.

- Animación de lo inanimado

- Aislamiento de fragmentos anatómicos

- Elementos incongruentes

- Metamorfosis

- Máquinas fantásticas

- Relaciones entre desnudos y maquinaria

- Evocación del caos

- Representación de autómatas, de espasmos y de perspectivas vacías

-Realidades oníricas

- Perspectivas vacías

- Universos figurativos propios

¿CÓMO?

Técnicas y métodos surrealistas:
- La fotografía, la cinematografía y la fabricación de objetos (tomadas del Dadaísmo).
- El Collage y el ensamblaje de objetos incongruentes (también heredadas del Dadaísmo, de personajes como Marcel Duchamp).
- El Forttage (dibujos logrados por el roce de superficies rugosas contra el papel o el lienzo).
- Técnica del “Cadáver Exquisito” o la pintura automática (varios artistas dibujaban las distintas partes de una figura o de un texto sin ver el trabajo del anterior, logrando imágenes interesantes e ilógicas).
- Automatismo (cualquier forma de expresión en la que la mente no ejerza ningún tipo de control).
- Inspiración en el pensamiento oculto y prohibido, en el erotismo descubren realidades oníricas, y el sexo será tratado de forma impúdica.
- Se interesaron además por el arte de los pueblos primitivos, el arte de los niños y de los dementes.
- Preferencia por los títulos largos, equívocos, misteriosos.
- Decalcomanía.
- Grattage.

¿QUIÉN?

Salvador Dalí (Figueres, Gerona, 1904 - Púbol, 1989): Pintor español. Salvador Dalí nació en una madrugada de la primavera de 1904 en el seno de una familia burguesa, hijo de un notario bienpensante y de una sensible dama aficionada a los pájaros. Fue un pintor, escultor, grabador, escenógrafo y escritor español, considerado uno de los máximos representantes del surrealismo.

Dalí es conocido por sus impactantes y oníricas imágenes surrealistas. Sus habilidades pictóricas se suelen atribuir a la influencia y admiración por el arte renacentista. También fue un experto dibujante. Los recursos plásticos dalinianos también abordaron el cine, la escultura y la fotografía, lo cual le condujo a numerosas colaboraciones con otros artistas audiovisuales. Tuvo la habilidad de forjar un estilo marcadamente personal y reconocible, que en realidad era muy ecléctico y que «vampirizó» innovaciones ajenas. Una de sus obras más célebres es La persistencia de la memoria, el famoso cuadro de los «relojes blandos», realizado en 1931.

Un pequeño pero famoso cuadro de la época más surrealista de Dalí . El paisaje tiene influencias de los trabajos que realizó del mar en su juventud, hasta se puede reconocer el Cabo de Creus en la parte superior derecha; parece una playa al atardecer. En primer término y en posición central, destaca una extraña figura: una cabeza blanda con una enorme nariz, de larga y carnosa lengua que sale de ella, pero carece de boca. Su raro cuello se pierde en la oscuridad. Reposa dormida sobre la arena, ya que vemos cerrado su ojo, con unas enormes pestañas. Estamos delante de un paisaje onírico.

Tiene encima un blando reloj de bolsillo. A la izquierda, sobre lo que parece una mesa de madera rectangular, aunque incompleta, encontramos otros dos relojes: uno más pequeño, cerrado, sobre el que se apelotona una multitud de hormigas; el otro, enorme, blando y alabeado- con una mosca encima y marcando casi las siete horas- ,se escurre por el borde de la mesa. De ésta nace un árbol roto, con una sola rama sin hojas sobre la que hay un tercer reloj blando. Al fondo, iluminada fuertemente, vemos una cala recortada por acantilados rocosos. Una piedra redondeada proyecta su sombra sobre la arena de la playa, que está desierta. El mar se confunde casi con el cielo cubierto de vaporosas nubes blancas.

El dibujo tiene una enorme importancia en el cuadro. Es de líneas puras, muy académico y relamido. Los objetos están representados con exactitud y detallismo, pero sus dimensiones no son reales y están deformados.

La luz juega un gran papel. El cuadro está dividido en dos partes no simétricas: una tenebrista, en primer término, con un foco de luz a la derecha que ilumina suavemente los objetos, que proyectan sus sombras y se recortan en el espacio; y la otra, fuertemente iluminada, al fondo, con una luz muy blanca, irreal.

El color es rico y variado. Predominan los tonos frios (azules, grises, blancos), que contrastan con los cálidos (ocres, marrones y amarillos).

Fuentes:

http://www.pucpr.edu/facultad/pperez/101/arte_surrealista.htm

http://thales.cica.es/rd/Recursos/rd99/ed99-0055-01/surrealismo.html

http://historialdedisenio.wordpress.com/2008/08/04/caracteristicas-del-surrealismo/

http://www.elhistoriador.com.ar/articulos/mundo/tratado_de_versalles_fin_de_la_primera_guerra_mundial.php

DADAÍSMO

¿CUÁNDO?
La primera guerra mundial se inicia el 28 de julio de 1914. Suiza, al mantenerse neutral, se convierte en un refugio para todo tipo de exiliados políticos: pacifistas, dirigentes de partidos revolucionarios, intelectuales, y artistas, quienes ven en esa guerra un final lógico para una sociedad cuyas estructuras y valores consideran vencidos. 
Tristán Tzara, uno de los fundadores del movimiento dadaísta, recordaría luego de finalizada la guerra:
“Hacia 1916 – 1917, la guerra parecía instalarse para siempre, no se veía su fin. (...) De allí el rechazo y la rebelión. Estábamos resueltamente contra la guerra (...)”
Así, dadá surge como resultado de una necesidad de independencia, de salvar lo que constituye lo esencial de la existencia: la libertad.
“El derrumbamiento de los valores occidentales, agonizantes entre las montañas de muertos, produce una desmoralización de la misma escala, y el derrotismo se convertirá en el motor esencial de la rebelión Dadá.”
Terminada la Primera Guerra Mundial surgió el movimiento artístico revolucionario, altamente imaginativo, decididamente antidogmático y transgresor. Este se autodenominó Dadá, una palabra que en francés infantil significa «caballito de juguete». El primer documento del movimiento es el Manifiesto dadaísta y fue publicado en 1918 por Tristan Tzara en Zúrich, Suiza.

¿QUÉ?

El movimiento Dadá, en su contenido o temática, se caracterizó por:

- Protesta continua contra las convenciones de su época.

- Actitud de burla total y humor. Se basan en lo absurdo y en lo carente de valor.

- Medios de expresión irónico-satíricos, a través del gesto, el escándalo, la provocación.

- Poesías ilógicas o de difícil comprensión (El poema dadaísta suele ser una sucesión de palabras y sonidos).

- Inclinación hacia lo dudoso, rebeldía, destrucción, terrorismo, muerte y nihilismo, lo fantasioso, etc.

- Promoción por el cambio, la libertad del individuo, la espontaneidad, lo inmediato, lo aleatorio, la contradicción, el caos, lo imperfecto, la intuición.

- Manifestaciones contra la belleza, la eternidad, las leyes, la inmovilidad del pensamiento, la pureza de los conceptos abstractos, lo universal, la razón, el sentido, la construcción del consciente.

- Negativo y en contra el modernismo, el expresionismo, cubismo, futurismo y abstraccionismo.

- Quieren volver a la infancia.

- Consideran más importante al acto creador que al producto creado.

¿CÓMO?

En cuanto a la gráfica se caracterizó por:
- Renovación de la expresión mediante el empleo de materiales inusuales.
- Collage de diversos materiales (papeles, etiquetas, prospectos, diarios, telas, maderas, etc.).
- Fotomontajes con frases aisladas, palabras, pancartas, recitales espontáneos y la provocación.
-Su principal aportación es el ready-made, que consiste en sacar un objeto de su contexto para situarlo en el ámbito de lo artístico. Solo con el hecho de titularlos y firmarlos confería a los objetos la categoría de obra de arte.

¿QUIÉN?

Marcel Duchamp (Blainville, Francia, 1887-Neuilly, id., 1968): Artista francés nacionalizado estadounidense. El más joven de seis hermanos, cuatro de los cuales seguirían así mismo la carrera artística (de ellos fueron especialmente notorios los dos mayores, Jacques y Raymond), recaló en París a la edad de diecisiete años. En su faceta como pintor, que hubo de simultanear con el trabajo de caricaturista, pasó rápidamente por todas las tendencias artísticas en boga –impresionismo, postimpresionismo, fauvismo, cubismo– sin comprometerse con ninguna; este afán experimentador e inquieto iba a ser una de las constantes de su fecunda trayectoria.

La Fuente (1917) es una obra de Marcel Duchamp. Duchamp expuso en el museo de Nueva York un orinal. Lo tituló como Fountain (La Fuente) y lo firmó "R. Mutt". Es una de las piezas que llamó ready mades. Se trata del arte realizado mediante el uso de objetos ya existentes que normalmente no se consideran artísticos. Ready-made también por el término objeto encontrado (en francés: objet trouvé). En la muestra de arte a la que Duchamp presentó la pieza declaró que todas las obras serían aceptadas, pero La Fuente no fue mostrada en realidad, y el orinal original se ha perdido. La obra es considerada por algunos como un hito importante en el arte del siglo 20. La réplicas por encargo de Duchamp en la década de 1960 están ahora en exhibición en una serie de diferentes museos.

Fuentes:

http://thales.cica.es/rd/Recursos/rd99/ed99-0055-01/dadaismo.html

http://es.wikipedia.org/wiki/Dada%C3%ADsmo

http://historialdedisenio.wordpress.com/2008/07/08/el-dadaismo-y-sus-caracteristicas/

http://enciclopedia.us.es/index.php/Dada%C3%ADsmo

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/d/duchamp.htm

ARTE ABSTRACTO

¿CUÁNDO?
El arte abstracto es el estilo artístico que surge alrededor de 1910 y cuyas consecuencias han hecho de él una de las manifestaciones más significativas del espíritu del siglo XX.

En los años 1910, los intereses de las potencias mundiales empujaron a la humanidad a una nueva dimensión de conflicto, la Primera Guerra Mundial (iniciada en 1914), que aunque se inició como un conflicto europeo terminó absorbiendo a las principales naciones del mundo. La confrontación se inició tras el asesinato del archiduque Francisco Fernando en Sarajevo. Los grandes perdedores al cabo de los cuatro años en que se desarrolló la guerra fueron los imperios de Austria, que perdió tal distinción para siempre, y el imperio Ruso, cuya monarquía fue exterminada (la familia real fue ejecutada) par dar paso a un nuevo sistema de gobierno, el Bolchevique, liderado por Lenin.
E.E.U.U. se convirtió en potencia mundial de primer orden al igual que Japón, cuya primacía en Asia ya nadie discutía. Alemania perdió su pequeño imperio colonial, pero aun así logró mantener su infraestructura nacional. Fue el caso contrario al de Francia, que se suponía había resultado victoriosa en la guerra.
Gran Bretaña, aunque menos afectada que Francia, también vio retroceder su prestigio y de repente se encontró en condición de igualdad con E.E.U.U, país sobre el que hacia menos de un siglo aún tenía la pretensión de volverlo a integrar dentro de sus colonias.
Por su parte el piloto alemán Manfred von Richthofen fue el icono de la guerra.

¿QUÉ?

En la pintura abstracta, la obra de arte se convierte en una realidad autónoma, sin conexión con la naturaleza y, como consecuencia, ya no se representa hombres, paisajes, casas o flores, sino simplemente combinaciones de colores que intentan expresar la necesidad interior. Una de las características principales de la pintura abstracta es el uso de un lenguaje sin forma y la libertad cromática. El ruso Wasily Kandinsky es el artista que impulsa la pintura no figurativa en Munich, a principios del siglo XX. “En el campo pictórico, una mancha redonda puede ser más significativa que una figura humana”, señala el pintor. Para él, el elemento interior determina la obra de arte. En 1921 Kandinsky se traslada a Berlín dónde se incorpora a la escuela de diseño, arte y arquitectura de la Bauhaus. En esta escuela se encuentra otro de los artistas destacados en la pintura abstracta, el suizo Paul Klee. El maestro explicaba en sus clases y en sus escritos cómo los elementos gráficos (el punto, la línea, el plano y el espacio) adquieren significado mediante una descarga de energía dentro de la mente del artista.

El arte abstracto deja de considerar justificada la necesidad de la representación figurativa y tiende a sustituirla por un lenguaje visual autónomo, dotado de sus propias significaciones (iconografía). El arte abstracto usa un lenguaje visual de forma, color y línea para crear una composición que puede existir con independencia de referencias visuales del mundo real.

¿CÓMO?

La abstracción se aparta de la realidad en la representación de la imaginería en el arte. Este distanciamiento de una representación exacta puede ser sólo ligera, parcial o completa. La abstracción existe con cierta graduación. Incluso el arte que pretende verosimilitud del más alto grado puede ser abstracto, al menos en teoría, pues la representación perfecta es extremadamente improbable. La obra de arte que se toma libertades, alterando por ejemplo el color y la forma de maneras evidentes, puede decirse que en parte es abstracta. La abstracción total no conserva ninguna traza de referencia a nada reconocible. El arte figurativo y la abstracción total son casi mutuamente excluyentes. Pero el arte figurativo y el representativo (o realista) a menudo contiene algo de abstracción parcial. Entre los muy diversos movimientos artísticos que personifican una abstracción parcial estarían por ejemplo el fauvismo en el que el color está intencionadamente alterado en relación con la realidad, y el cubismo, que claramente altera las formas de la vida real en los objetos que representa.

¿QUIÉN?

Pieter Cornelis Mondriaan (Amersfoort, 7 de marzo de 1872 - Nueva York, 1 de febrero de 1944), conocido como Piet Mondrian, fue un pintor vanguardista neerlandés, miembro de De Stijl y fundador del neoplasticismo, junto con Theo van Doesburg. Evolucionó desde el naturalismo y el simbolismo hasta la abstracción, de la cual es el principal representante inaugural junto a los rusos Wassily Kandinski y Kazimir Malévich.

lustración realizada en el estiloneoplasticista de Piet Mondrian.

El arte de Mondrian siempre estaba íntimamente relacionado a sus estudios espirituales y filosóficos. A partir de 1908, se interesó en el movimiento teosófico fundado por Helena Petrovna Blavatsky a fines del siglo XIX. Blavatsky creyó que era posible lograr un conocimiento de la naturaleza más profundo que sólo el proporcionado por los medios empíricos, y mucho del trabajo de Mondrian del resto de su vida estuvo inspirado por la búsqueda de ese supuesto conocimiento esencial. Una frase suya lo explica: «solo cuando estemos en lo real absoluto el arte no será ya más necesario».

En efecto: al dedicarse a la abstracción geométrica, Mondrian, busca encontrar la estructura básica del universo, la supuesta “retícula cósmica” que él intenta representar con el no-color blanco (presencia de todos los colores) atravesado por una trama de líneas de no-color negro (ausencia de todos los colores) y, en tal trama, planos geométricos (frecuentemente rectangulares) de los ya mencionados colores primarios, considerados por Mondrian como los colores elementales del universo. De este modo, repudiando las características sensoriales de la textura y la superficie, eliminando las curvas, y en general todo lo formal. Expresó que el arte no debe ser figurativo, no debe implicarse en la reproducción de objetos aparentemente reales, sino que el arte debe ser una especie de indagación de lo absoluto subyacente tras toda la realidad fenoménica. Como anécdota de sus ligeras excentricidades cabe mencionar que prohibió el color verde en su casa.

Fuentes:

http://www.artelista.com/arte-abstracto.html

http://es.wikipedia.org/wiki/A%C3%B1os_1910

http://www.historiayarte.net/a-arte-abstracto.html

http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Mondrian_lookalike.svg

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/m/mondrian.htm

FUTURISMO

¿CUÁNDO?
El fundador y alma del futurismo fue el poeta italiano Filippo Tomasso Marinetti (1876-1944). El 20 de febrero de 1909 publicó en el periódico Le Figaro el "Primer manifiesto del futurismo". El 11 de abril del mismo año se proclamó otro manifiesto más técnico.
Los mítines y las manifestaciones futuristas acababan normalmente en batalla campal. Sus dirigentes eran maestros en el arte de la propaganda y habían captado la importancia que en aquella época se daba al sensacionalismo. Las publicaciones futuristas utilizaban siempre un tono altisonante digno de figurar en las páginas de sucesos de un periódico sensacionalista; de aquí viene que el movimiento consiguiera tanta popularidad.
El siglo XX se inicia en medio de grandes adelantos tecnológicos, entre los cuales el automóvil ocupa un lugar destacado. En América Henry Ford adelantó una verdadera revolución en el sistema de producción industria que puso a prueba con la fabricación de su Modelo T.
En 1905, la Guerra ruso-japonesa enfrentó al Imperio del Japón con el imperio de los zares de Rusia. El fin de la guerra dio como vencedor a Japón para la sorpresa del mundo occidental. La nación asiática se convirtió de facto en una nueva potencia mundial.
El Imperio alemán o Segundo Reich comenzó a forjarse en torno a Prusia de una manera clara desde el reinado de Federico II el Grande y se consolidó de manera definitiva en las últimas décadas del siglo XIX, gracias al impulso dado por Otto von Bismarck. En los primeros años del siglo XX, la situación de Alemania dentro de Europa había alcanzado una posición demasiado crucial para los intereses de las demás potencias. Especialmente, Gran Bretaña y Francia veían amenazados muchos de sus intereses, lo que las llevó a suscribir la llamada Entente cordiale, ya que el desarrollo industrial y militar de Alemania se presentaba difícil de igualar por el conjunto de las naciones europeas. Además, este ímpetu de Prusia fue lo condujo a la Casa de Austria a perder progresivamente su condición de potencia continental.

¿QUÉ?

El Futurismo fue una vanguardia que buscaba reflejar el movimiento, el dinamismo, la velocidad, la fuerza interna de las cosas, la exaltación de la guerra, las máquinas, lo nacional y lo sensual y todo lo que fuese moderno. Este movimiento rompía con lo tradicional, el pasado y el academicismo. Este movimiento buscaba romper con la tradición, el pasado y los signos convencionales de la historia del arte. Consideraba como elementos principales a la poesía, el valor, la audacia y la revolución, ya que se pregonaba el movimiento agresivo, el insomnio febril, el paso gimnástico, el salto peligroso y la bofetada irreverente. Tenía como postulados: la exaltación de lo sensual, lo nacional y guerrero, la adoración de la máquina, el retrato de la realidad en movimiento, lo objetivo de lo literario y la disposición especial de lo escrito, con el fin de darle una expresión plástica.

Rechazaba la estética tradicional e intentó ensalzar la vida contemporánea, basándose en sus dos temas dominantes: la máquina y el movimiento. Se recurría, de este modo, a cualquier medio expresivo (artes plásticas, arquitectura, urbanismo, publicidad, moda, cine, música, poesía) capaz de crear un verdadero arte de acción, con el propósito de rejuvenecer y construir de nuevo la faz del mundo. Los artistas plásticos pintarán la cultura urbana, máquinas, deportes, guerra, vehículos en movimiento, etc.

¿CÓMO?

Particularidades:
- Exaltación de la originalidad.
- Estructuras del movimiento: tiempo, velocidad, energía, fuerza, etc.
- Contenido relacionado con el mundo moderno, las ciudades y los automóviles, su bullicio y dinamismo. Así como máquinas, deportes, guerra, etc.
- Utilización de formas y colores para generar ritmos.
- Colores resplandecientes
- Transparencias
- Multiplicación de líneas y detalles, semejantes a la sucesión de imágenes de un caleidoscopio o una película, (como resultado da la impresión de dinamismo).

¿QUIÉN?

Umberto Boccioni (Reggio de Calabria, Italia, 1882-Verona, id., 1916): Pintor y escultor italiano. Figura clave del movimiento futurista italiano, fue también uno de sus más destacados teóricos.

Se inició en el divisionismo de la mano de Giacomo Balla. Después de pasar algún tiempo en París, Rusia, Padua y Venecia, se instaló definitivamente en Milán y se interesó por todo lo referente a la sociedad industrial moderna.

Influido por el simbolismo y por el expresionismo de Munch, y tras varios encuentros con Marinetti, Carrà y Russolo, la obra de Boccioni se desarrolló a partir de 1910 alrededor de dos conceptos clave: dinamismo y simultaneidad. Entre sus obras cabe destacar La ciudad que surge (1910) y La calle ante la casa (1911), pinturas que, aun siendo formalmente distintas, hacen referencia al mismo tema, la ciudad, que para los futuristas simbolizaba la modernidad, el movimiento y la velocidad.

Un dibujo a plumilla de Boccioni representa un Ciclista (1913), por así decirlo, sujeto a un motivo que es la velocidad. La línea vibrante, la luz y el movimiento vienen a destruir la corporeidad material de lo representado. En la sensación de movimiento, de dinamismo, los elementos se desdoblan, los perfiles se multiplican, y las cosas se deforman. Con el movimiento y la vibración se trascienden las presencias físicas, se hacen transparentes los cuerpos.

En 'Dinamismo de un ciclista', expresa la sensación del dinamismo presentando una secuencia de varios movimientos al mismo tiempo.

Se organizan en disparatadas rectas, formalmente próximas al cubismo, pero diferenciadas en su aspiración a un movimiento frenético, casi desesperado.

Fuentes:

http://epdlp.com/pintor.php?id=195
http://vereda.ula.ve/historia_arte/?page_id=322

http://es.wikipedia.org/wiki/Futurismo

http://www.ccapitalia.net/macchina/futurismo.htm

http://historialdedisenio.wordpress.com/2008/06/19/caracteristicas-del-futurismo/

CUBISMO

¿CUÁNDO?
El cubismo surge en el siglo XX, exactamente en 1908. En esos tiempos la situación mundial era muy tensa, ya había presagios de guerra. España acababa de perder sus últimas posesiones coloniales: Filipinas, Puerto Rico, Guam y Cuba, esta última pérdida, la más dolorosa, ya que la isla se había incorporado recientemente como una provincia del Reino. Gran Bretaña y Francia, que vivían un enorme progreso científico e industrial, debían afrontar el surgimiento de una nueva potencia rival en el continente, Alemania, con la que se disputarían África; y Alemania, recelosa de su imperialismo tardío se aventuraría incluso hasta Nueva Guinea. En tanto el Imperio otomano, y con él el Islam, ganaba terreno en los Balcanes,Las artes estaban en una búsqueda de algo nuevo. Así es como varios pintores comenzaron a descubrir nuevas formas de expresión, una de ellas fue el cubismo, que tuvo a su máximo exponente a pablo Picasso, y que fue quien mas desarrollo dicho estilo.

El cubismo fue uno de los primeros movimientos artísticos que surgió en el siglo XX, nacido en Francia y encabezado por Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris. Este movimiento fue transformándose en una verdadera revolución dentro de la pintura, 
El cubismo está basado en muchas corrientes y es uno de los movimientos más importantes del siglo XX, es una introducción a la pintura abstracta.
El término cubismo fue acuñado por el crítico francés Louis Vauxcelles, diciendo que era una pintura compuesta por pequeños cubos.

¿QUÉ?

Hasta ahora, los pintores habían expresado las tres dimensiones de la forma sobre una tela de dos dimensiones mediante la utilización de los principios y de las técnicas de la perspectiva. Los pintores cubistas negaban esta solución, que consideraban como un falseamiento, y querían expresar el volumen y el espacio mediante una superposición de planos, representando, a la vez, las partes vistas y las escondidas, o descomponiendo y yuxtaponiendo el color y la forma. Su trabajo fue una búsqueda constante de la profundidad. No puede decirse, sin embargo, que esta nueva forma de expresión de la profundidad fuera una tercera dimensión, sino que más bien era una experiencia de la reversibilidad de las dimensiones, una visión global en la cual la altura, la profundidad y la distancia coexistieran a la vez. La forma externa, la que envuelve los cuerpos, era un elemento secundario; por lo tanto era necesario romper con él y tomar las formas puras que lo constituyen: cubos, cilindros, conos, etc.

Fue, en esencia, un movimiento realista; no negaban la pintura figurativa, sino sólo rechazaban los métodos que se utilizaban para la figuración. Cuando pintaban cualquier tema, querían encontrar su imagen más real, para lo cual evitaban ceñirse a puntos de vista parciales o a visiones limitadas.

¿CÓMO?

El cubismo está influenciado por las esculturas africanas. Los cuadros cubistas tienen muchos ángulos. Suelen ser figuras geométricas. Las principales figuras geométricas que usan los pintores cubistas son el cilindro, el cono y el cubo. El color es lo menos importante, suele ser aleatorio.
Los cubistas tenían conciencia de que el hombre moderno se desplaza cada vez con mayor rapidez y, consecuentemente, la idea que se forma de las cosas es compleja. Para traducir toda esa complejidad pintan distintas caras de un mismo objeto, reuniendo en una sola imagen lo que la mirada solo logra percibir sucesivamente. Resaltan así la idea de “simultaneidad”. Los artistas cubistas, al introducir una visión tridimensional del espacio, representaban de forma simultánea varios aspectos de un mismo objeto visto desde todos sus ángulos.
El cubismo representa una ruptura con la pintura tradicional: desaparición de la perspectiva (profundidad), utilización de una gama de color apagada (grises, tonos pardos y verdes suaves), introducción de la visión simultánea de varias configuraciones de un objeto (vista de frente y de perfil, por ejemplo) con lo cual desaparece el punto de vista único y, finalmente, atención a la cuarta dimensión (el tiempo) como un factor más de la pintura.
A pesar de ser pintura de vanguardia, los géneros que se pintan no son nuevos, y entre ellos se encuentran sobre todo bodegones, paisajes y retratos.

¿QUIÉN?

Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Cipriano de la Santísima Trinidad Ruiz y Picasso (Málaga, España; 25 de octubre de 1881 — Mougins, Francia; 8 de abril de 1973), conocido como Pablo Picasso, fue un pintor y escultor español, creador, junto con Georges Braque y Juan Gris, del movimiento cubista.

Considerado uno de los mayores artistas del siglo XX, participó desde la génesis en muchos movimientos artísticos que se propagaron por el mundo y ejercieron una gran influencia en otros grandes artistas de su tiempo. Incansable y prolífico, pintó más de dos mil obras, presentes en museos y colecciones de toda Europa y del mundo. Además, abordó otros géneros como el dibujo, el grabado, la ilustración de libros, la escultura, la cerámica y el diseño de escenografía y vestuario para montajes teatrales.

'Las Señoritas de Avignon' es el cuadro que marca el comienzo del cubismo, donde rompe con todas las normas tradicionales de la pintura figurativa fragmentando la perspectiva en volúmenes cuadrados y angulosos. El título se refiere aun burdel barcelonés situado en una calle con el mismo nombre. Vemos el influjo de Cézanne, del arte ibérico y de la escultura negra. Las mujeres que aparecen desnudas tienen desfigurados sus rostros, algunas de ellas recuerdan máscaras africanas.Esta obra es considerada el inicio del arte moderno y pertenece a las vanguardias pictóricas del siglo XX.

Fuentes:

http://www.artelista.com/cubismo.html

http://www.profesorenlinea.cl/artes/cubismo.htm

http://cv.uoc.edu/~04_999_01_u07/senyoretes/hiper0707.html

http://ar.answers.yahoo.com/question/index?qid=20110209185030AA6T858

http://pastranec.net/arte/sigloxx/cubismo.htm

FAUVISMO

¿CUÁNDO?
El fauvismo fue un movimiento pictórico francés de escasa duración. Se desarrolló entre 1904-1908 aproximadamente. El crítico de arte Louis Vauxcelles tras contemplar las gamas cromáticas estridentes y agresivas de los trabajos expuestos les atribuyó el término "fauves", que en español significa fieras. El nombre asignado era en origen un calificativo peyorativo, como les sucedió a otros movimientos artísticos del S. XX, pero fue asumido por el público y posteriormente introducido en la historia del arte sin connotaciones despectivas.
El siglo XX se inicia en medio de grandes adelantos tecnológicos, entre los cuales el automóvil ocupa un lugar destacado. En América Henry Ford adelantó una verdadera revolución en el sistema de producción industria que puso a prueba con la fabricación de su Modelo T.

En 1905, la Guerra ruso-japonesa enfrentó al Imperio del Japón con el imperio de los zares de Rusia. El fin de la guerra dio como vencedor a Japón para la sorpresa del mundo occidental. La nación asiática se convirtió de facto en una nueva potencia mundial.
El Imperio alemán o Segundo Reich comenzó a forjarse en torno a Prusia de una manera clara desde el reinado de Federico II el Grande y se consolidó de manera definitiva en las últimas décadas del siglo XIX, gracias al impulso dado por Otto von Bismarck. En los primeros años del siglo XX, la situación de Alemania dentro de Europa había alcanzado una posición demasiado crucial para los intereses de las demás potencias. Especialmente, Gran Bretaña y Francia veían amenazados muchos de sus intereses, lo que las llevó a suscribir la llamada Entente cordiale, ya que el desarrollo industrial y militar de Alemania se presentaba difícil de igualar por el conjunto de las naciones europeas. Además, este ímpetu de Prusia fue lo condujo a la Casa de Austria a perder progresivamente su condición de potencia continental.

¿QUÉ?

El Fauvismo no fue un movimiento conscientemente definido, careció de un manifiesto. Fue un mosaico de aportaciones en el que cada pintor acometía sus obras como una experiencia personal cargada de espontaneidad y de frescura. Les unió la actitud violenta con la que se enfrentaron a los convencionalismos de la época rechazando las reglas y los métodos racionales establecidos. Reaccionan contra el Impresionismo y contra la importancia que éstos habían dado a la luz a costa de la pérdida del color. se caracteriza por ser estético y sentimental, por ser un estado de espíritu ligado a las circunstancias del momento. Se apega a la libertad total de la naturaleza. Es más expresiva que realista, plasmando primordialmente los colores. El artista fauve implanta una comunión con la naturaleza, uniendo el arte con la vida, y a su vez, rechazando cualquier tipo de convencionalismos. El artista moldea, crea su obra a partir de un principio generador parecida a la naturaleza. El fauvismo no debe ser entendido como una liberación desordenada que rechaza todo tipo de disciplinas o como ignorante.

Otra característica del fauvismo es el gusto por el arte africano-negro y la influencia que este mismo tuvo en las obras. Este gusto por “lo otro”, encamina al fauvismo hacia una un ambiente cada vez más vanguardista. Sus temas son retratos, naturalezas muertas, personajes en interiores, paisajes hermosos.

¿CÓMO?

Los fauvistas creían que a través de los colores podían expresar sentimientos y este pensamiento condicionó su forma de pintar. No buscan la representación naturalista, sino realzar el valor del color en sí mismo. Por ello, rechazaron la paleta de tonos naturalistas empleada por los impresionistas a favor de los colores violentos para crear un mayor énfasis expresivo.

La paleta de colores de los foves se destaca por el empleo de un cromatismo antinatural, buscan la fuerza expresiva del color, colocando colores diferentes de los reales, por ejemplo pintar los árboles de amarillo limón y los rostros en color verde esmeralda.

Emplearon una pincelada directa y vigorosa, con toques gruesos, sin mezclas, evitando matizar los colores. Las figuras resultan planas, lineales, encerradas en gruesas líneas de contorno. Sus creaciones respondían a un ejercicio de sintetización, buscan la máxima intensidad emocional combinada con la máxima simplificación de elementos. Por ello renuncian a la perspectiva clásica, al claroscuro y al modelado de los volúmenes. La luz tiende a desaparecer y con ella la profundidad. 

¿QUIÉN?

André Derain (Chatou, 10 de junio de 1880 - Garches, 8 de septiembre de 1954) fue un pintor e ilustrador, escenógrafo francés. Derain tenía diez y ocho años de edad cuando entra a la Academia Carriere lugar donde conoce a Matisse y a Vlaminck. En 1905 dichos pintores exhiben en el Salón de Otoño junto a sus colegas Rouault, y Henri Charles Manguin, es la primera exposición de Fauvismo, que expresa emoción con color, que visita el público Francés. Derain era pintor, escultor, hacia diseños especiales para los escenarios, disfraces, para las bailarinas rusas, y aparte coleccionaba obras. Era un ser muy inteligente y preparado, no sólo en el arte de la pintura sino que también tenía una educación universal. Fue el alma del fauvismo con su inclinación a los matices, su juventud impetuosa y su febril perseverancia. Derain demuestra su receptividad al nuevo dogma de “forma a través del color” admiraba a Van Gogh y a Cézanne.

La mayor parte de su producción de época fauvista son personajes campestres y urbanos, como Puente en Londres (1906) y muestran colores puros, a menudo aplicados sobre el lienzo directamente con el tubo, pinceladas irregulares y despreocupación por la perspectiva o por la representación realista.

Fuentes:

http://www.swingalia.com/pintura/caracteristicas-del-fauvismo.php
http://fauvismosigloxx.wordpress.com/
www.spanisharts.com/history/del_impres_s.XX/arte.../fauvismo.html
es.wikipedia.org/wiki/Años_1900
http://www.arteespana.com/fauvismo.htm