CONCLUSIÓN

Para concluir con el trabajo realizado en este primer trimestre en la materia Morfología Visual del colegio San José Adoratrices, me propongo escribir mi opinión personal. El estudio de los movimientos artísticos más importantes de los siglos XIX y XX me resultó un trabajo interesante, enriquecedor y muy productivo.
Aprendí acerca de las distintas escuelas, los artistas más representativos de las mismas, sus técnicas e ideas. Lo que más me interesó de esta investigación y conocimiento de los movimientos fue el por qué de estas pinturas: las ideologías, críticas, ideas e opiniones reflejadas en una simple pintura. Puedo, por ejemplo, establecer la razón por la que el arte pop representaba una crítica al consumismo característico de la época en la que se ubica; cuando antes, a pesar de tener conocimientos acerca de las pinturas, no tenía idea del significado detrás de ellas. Creo que es muy importante tener en cuenta esto que se esconde en cada movimiento, ya que (a pesar de no ser visto) es la parte más importante.
Personalmente, mi movimiento favorito fue el surrealismo. Me atrapó mucho esa idea de exponer la interpretación que hace el artista de la realidad desde el inconsciente. El absurdo, la desorientación, lo paradójico y la discordancia de los cuadros me fascinó a tal punto que terminé pasando mucho tiempo intentando interpretar los distintos detalles de cada obra surrealista que observaba. Mi artista favorito perteneciente a este movimiento es Frida Kahlo. Me resultaron atrapantes el documental que vimos en clase, el modo que tenía de intentar plasmar todo su sufrimiento en el lienzo y ese "reflejar su realidad" mediante la pintura. Otra razón por la que me gustó esta artista es debido a que logró hacerse un nombre en el mundo del arte a pesar de ser mujer. Sus obras, la complejidad de su vida, sus homenajes a la mujer y sus reflexiones me resultaron sumamente interesantes.
Puedo remarcar también la utilidad del estudio de los movimientos en espacios en la web. Esta innovadora forma de trabajar es atrayente, y me pareció una gran manera de ordenar nuestro material de estudio.

NEOEXPRESIONISMO

¿CUÁNDO?
El neoexpresionismo es un movimiento pictórico surgido a finales de los años setenta y principios de los años ochenta en Alemania, desde donde se extendió por el resto de Europa y Estados Unidos.
Claramente el inicio de este decenio está marcado por el aumento de las tensiones de la Guerra Fría entre Estados Unidos y la Unión Soviética. La amenaza nuclear se hace más potente que nunca, por lo que a mediados de la década se produce un acercamiento entre los dos bloques, que se ve favorecido principalmente por las políticas conocidas en Occidente como Glásnost y Perestroika, del mandatario soviético Mijaíl Gorbachov. El terrorismo internacional que se venía presentando desde la década anterior se intensifica y Estados Unidos ataca la Libia de Muamar Gadafi, como represalia por ataques terroristas supuestamente patrocinados por ese país. En el ámbito latinoamericano, Perú que salía del Gobierno Revolucionario de las Fuerzas Armadas por 11 años y que retornaba a la democracia de forma dictatorial, se enfrenta al movimiento terrorista maoísta Sendero Luminoso, que inicia su lucha armada en Ayacucho y que poco a poco fue incursionando en la capital. En el plano económico, el presidente de Estados Unidos, Ronald Reagan, presenta una serie de medidas económicas de libre mercado, popularmente conocidas como Reaganomics, que sientan las bases de la economía neoliberal de los años venideros. Por otra parte, las diferencias en el desarrollo entre los diferentes pueblos del mundo se evidencian con la hambruna que devasta a varios países de África. En Etiopía la situación se torna particularmente dramática debido a la sequía.

¿QUÉ?

Fuertemente vinculado a la transvanguardia italiana y la figuración libre francesa, este estilo surgió como una reacción contra el minimalismo y el arte conceptual que predominaron durante los años setenta. El neoexpresionismo se caracteriza por su agresividad, sus descarnados temas, la forma en que estos son tratados y el uso de imágenes fácilmente reconocibles como el cuerpo humano, generalmente dibujadas de manera muy burda.

El neoexpresionismo se inspira en el expresionismo alemán y sus exponentes, además de otros artistas con estilo altamente emotivo; igualmente se nutren del arte tradicional, especialmente el germánico. De todas formas, al contrario que la transvanguardia italiana, los neoexpresionistas no rompen con el arte de su país inmediatamente anterior a ellos, aceptando como maestros grandes artistas de los setenta.

Se propone retomar la figuración desde su tratamiento violento y primitivo, determinado por la pincelada y el uso de colores contrastantes, aunque conservando la disposición tradicional de la composición.

¿CÓMO?

Características

• Retorno a las imágenes de tipo expresionista.
• Gusto por la fusión o combinación de elementos de tendencias anteriores.
• Yuxtaposición de elementos figurativos y abstractos: generalmente fondos a base de manchas o franjas de color sobre los que se disponen figuraciones contrastantes.
• Figuración (generalmente no imitativa) a base de formas esquemáticas de carácter emocional y expresivo.
• Representación de objetos de modo intuitivo y sin atender a su perspectiva dentro del conjunto de la obra.
• Ejecución de trazos amplios.
• Preferencia por el óleo, aunque es frecuente la combinación con otras técnicas (acrílicos, pinturas industriales, temple, acuarela, fresco).
• Preferencia por la pintura empastada, que puede ser mezclada con otros materiales (paja, arena, yeso, etc.).
• Temática amplia (mitologías individuales o de la cultura nacional, símbolos del poder, figuras heroicas, temas bélicos, dramáticos y satíricos, etc.) con predominio de la figura humana.
• Variedad de planteamientos expresivo-formales: abstractivo (Lüpertz), fauvista (), matérico (Kiefer), primitivista (Baselitz), sígnico (Penk).

¿QUIÉN?

Anselm Kiefer (Donaueschingen, 8 de marzo de 1945) es un pintor y escultor alemán, adscrito al Neoexpresionismo, una de las corrientes del arte postmoderno surgida en los años 80. Vivió su infancia en Rastatt, pasando a estudiar artes plásticas en Friburgo de Brisgovia, en Karlsruhe con el profesor Horst Antes y en Düsseldorf, donde fue alumno de Joseph Beuys. También estudió Derecho y lengua francesa. Sus primeras realizaciones, siguiendo la estela de Beuys, se centraron en el terreno de la instalación y el happening, pasando a la pintura en los años 70. En 1969 presentó su primera exposición individual con la serie de pinturas Ocupaciones, en Karlsruhe. Ha expuesto en la Documenta de Kassel , las Bienales de Venecia y París  y en la Städtische Kunsthalle de Düsseldorf (1984), y tiene una importante colección en el Museo Guggenheim de Bilbao (1990).

Kiefer es uno de los artistas alemanes posteriores a la Segunda Guerra Mundial más conocidos, pero también de los más controvertidos. Famoso sobre todo por sus pinturas matéricas, en su obra Kiefer afronta el pasado y toca temas tabú de la historia reciente alemana, sobre todo del nazismo.

Para pintar el cuadro Margarethe (1981), por ejemplo, se inspiró en uno de los poemas más famosos de Paul Celan, Todesfuge, escrito a partir de su experiencia en los campos de concentración.

Fuentes:

http://es.slideshare.net/GabrielRojas1/neoexpresionismo-17296660

http://www.arteseleccion.com/movimientos-de/neo-expresionismo-33

http://tayete.blogspot.com.ar/2011/07/visto-ultimamente-anselm-kiefer.html

http://www.independent.co.uk/arts-entertainment/art/great-works/margarete-1981-by-anselm-kiefer-saatchi-collection-970630.html

http://es.wikipedia.org/wiki/Neoexpresionismo

http://es.wikipedia.org/wiki/Anselm_Kiefer

HIPERREALISMO

¿CUÁNDO?
Nacido en la West-Coast de los Estados Unidos a finales de los años 60 del siglo XX, el hiperrealismo se promovió en Europa por la V Documenta (1972) de Kassel y fue confirmado por la exposición que Uldo Kulterman presentó en París bajo ese nombre. En la década de los 1920, los pintores del precisionismo ya trabajaron con la ayuda de fotografías fielmente reproducidas (como en el caso de Charles Sheeler, pintor y fotógrafo a la vez). Pero es innegable que el arte pop sigue siendo el precursor inmediato del hiperrealismo, pues toma la iconografía de lo cotidiano, se mantiene fiel a la distancia de su enfoque y produce las mismas imágenes neutras y estáticas.
El conflicto árabe-israelí y la etapa final de la guerra de Vietnam dominan la mayor parte de la vida política de los años 1970. El mercado del petróleo se ve sacudido por las disposiciones de la Organización de Países Exportadores de Petróleo que arrastra a los países industrializados a una crisis en el sector energético y por ende a toda la industria y la sociedad. Se da un bloqueo en el suministro del petróleo y ahora son las naciones productoras las que fijan los precios del combustible.

¿QUÉ?

Conocido también como realismo fotográfico o realismo radical, el hiperrealismo es la escuela pictórica de tendencia realista más absoluta de la historia. El hiperrealismo pretende ofrecer una versión minuciosa y detallada de las imágenes. Los artistas hiperrealistas tratan de buscar, con el más radical de los verismos, una transcripción de la realidad usando los medios técnicos y fotográficos de la manipulación de las imágenes. Consiguen con la pintura al óleo o la escultura, el mismo detallismo y encuadre que ofrece la fotografía. A veces se confunde con el fotorrealismo que es menos radical.

¿CÓMO?

Algunos representantes de este estilo trabajan a partir de fotografías, tratando con igual agudeza y precisión todo el cuadro.
En algunos caso se utilizan grandes tamaños de cuadros y pintura plana, que aspiran a producir la impresión de inmensas ampliaciones fotográficas.
Se va de lo real a la fotografía y de la foto al cuadro, reafirmando dos veces lo real o, tal vez, distanciándose doblemente del objeto; no hay una mirada subjetiva sobre la realidad, puesto que las imágenes son frías.
Cuándo apreciamos una buena obra hiperrealista, asistimos al más notable triunfo de la representación, debido a la máxima eficacia del oficio como modo de producción y método de apropiación de la realidad visible.
Pero también es cierto que se produce saturación de la información visual: el apego a la transcripción objetiva normalmente dificulta el despliegue de una audacia imaginativa mayor o divertimentos cromáticos que permitan las necesarias sugerencias poéticas de las imágenes expuestas.

¿QUIÉN?

Antonio López es el mayor de cuatro hermanos (Josefina, Diógenes y Carmen). Sus padres eran labradores acomodados de la localidad castellano manchega de Tomelloso y su casa estaba situada en la calle Domecq. Su temprana vocación por el dibujo, así como la influencia de su tío, el pintor Antonio López Torres, conformaron su decisión de dedicarse a la pintura.

En 1949 se trasladó a Madrid para preparar su ingreso en la Academia de Bellas Artes de San Fernando, donde coincidió con diversos artistas como Enrique Gran, Amalia Avia, y Lucio Muñoz, con los que conformó lo que se ha venido a llamar Escuela madrileña. Permaneció en la academia entre 1950 y 1955. En 1955, y gracias a una beca, viajó a Italia, donde conoció de primera mano la pintura italiana del Renacimiento. Sufrió así una pequeña decepción al contemplar en vivo las obras maestras que sólo conocía por reproducciones, y que hasta ese momento veneraba. Comenzó a revalorizar la pintura clásica española, que tan bien conocía, gracias a las frecuentes visitas al Museo del Prado, especialmente Diego Velázquez.

Tras terminar los estudios realizó sus primeras exposiciones individuales, en 1957 y 1961 en Madrid, mientras trabajaba tanto en esta ciudad como en la localidad que le vio nacer. En 1961 se unió en matrimonio a la también pintora María Moreno, unión de la que nacieron dos hijas: María en 1962 y Carmen en 1965. Desde este último año y hasta 1969 fue profesor encargado de la Cátedra de preparatorio de colorido en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando.

Este cuadro fue pintado por Antonio López, en épocas diferentes. Abandonó el cuadro en 1962, cuando su amigo Lucio Muñoz aún vivía allí, y volvió a retomarlo en 1990, pidiéndole permiso al que en ese momento era dueño de la casa. El artista ha querido plasmar la mordedura del tiempo.Se puede observar que el cuadro esta dividió en dos épocas diferentes, a la derecha del hierro central verde, la parte más antigua, la primera que pintó y la izquierda, es más actual, los edificios ya no son los tradicionales.

Desde la terraza, el arista plasma la imagen de una calle de Madrid que puede ver desde aquella terraza de su gran amigo Lucio. Los colores que eligió para representar su obra son una gama de colores fríos y cálidos. Para los edificios nuevos y el suelo de la terraza, la gama cálida, y para el muro y el edificio más antiguo, la gama de colores fríos.En el primer plano de la obra, se presenta un muro amarillo, que llega hasta la mitad del cuadro más o menos, descascarillado por la humedad, se alza encima de un canalón rectangular que recoge el agua de lluvia. Todo esto está construido encima de un suelo de hormigón, color teja.

El muro desemboca en la parte derecha de la obra, en una pared perteneciente a un edificio blanco con los tejados azules. Pared que sirve de apoyo para unas ramas viejas de rosal con apenas flores, que crecen al pie de un pequeño escalón enmohecido.Sobre los tejados de ese frio edificio, sobresale la estructura de otro muy parecido, pero esta vez, con una toldilla verde, casi inapreciable, que se esconde detrás de una pequeña chimenea de tubo marrón.En la parte de la izquierda, los edificios son más propios de la segunda época de la obra. Son una línea constante de bloques color ladrillo. No son excesivamente altos, por lo cual, será un barrio residencial de clase media.En los largos balcones de algunas de ellas es fácil apreciar la figura de alguna planta.Al fondo de la obra, se puede apreciar un piso, colocado de frente, que actúa como punto de fuga de las líneas que pueden trazar los edificios primeramente descritos.

El cielo, no está pintado como en otras de sus obras. No está realizado sobre un horizonte definido. El cielo diáfano, se deja ver entre los huecos de los edificios, y por la parte superior de la obra.Cabe destacar un detalle curioso. Se pueden ver unas líneas que dividen el cuadro en diferentes rectángulos. Esas líneas, son producidas por la unión de varias tablas sobre las que ha pintado el artista. El pintor sintió, en su momento, la necesidad de ampliar la obra para poder expresar mejor su significado, y por ese motivo se vio obligado a ampliar la misma uniendo diferentes tablas.

En general todas las figuras que ha dibujado están muy perfiladas y definidas. Aquí los elementos de composición que predominan son rectángulos y cuadrados. Y si se agudiza la vista se puede llegar a darse cuenta de que Antonio no termino la obra por completo, ya que en la esquina superior derecha, la obra no va hasta los vértices de las tablas.

Fuentes:

http://es.wikipedia.org/wiki/Hiperrealismo

http://www.artelista.com/hiperrealismo.html

http://lomascurioso.es/los-16-pintores-hiperrealistas-mas-famosos-del-mundo/

http://ar.answers.yahoo.com/question/index?qid=20091101164619AALF0Aq

http://www.portaldearte.cl/terminos/hiperrealismo.htm

https://sites.google.com/site/terceroesocalasanz/terraza-de-lucio

http://es.wikipedia.org/wiki/Antonio_L%C3%B3pez_Garc%C3%ADa

POP ART

¿CUÁNDO?
El Pop Art o Arte Pop es un movimiento artístico visual, que nació tanto en Inglaterra como en Estados Unidos en la década de 1950. Sin duda el nacimiento de este movimiento  es el reflejo de unos años turbulentos; la cultura de la post-guerra. Recién había terminado la Segunda Guerra, la que sabemos que fue bastante terrible y cruda. El mundo estaba dividido ahora en dos polos: La U.R.S.S Y Estados Unidos. Esta era una guerra más bien ideológica, de dos maneras de percibir el mundo; dos mesianismos. Puede afirmarse que el pop-Art es el resultado de un estilo de vida, la manifestación plástica de una cultura (la popular del capitalismo desarrollado) caracterizada por la tecnología, la moda y el consumo, donde los objetos dejan de ser únicos para producirse en serie.
Este movimiento artístico quiso ir contra todas las leyes y cánones establecidos. Sus artistas fueron reacios a la enseñanza oficial de la Escuela de Artes Plásticas, por lo tanto, promovieron su renovación siguiendo las nuevas corrientes abstractas. Esto nos muestra claramente una rebeldía y absurdo ante la realidad en la que vivían. El por art fue uno de muchos movimientos que intentó transmitir este sentimiento.

¿QUÉ?

El arte pop fue un importante movimiento artístico del siglo XX que se caracteriza por el empleo de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación, tales como anuncios publicitarios, comic books, objetos culturales «mundanos» y del mundo del cine. El arte pop, como la música pop, buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura existente en las Bellas Artes, separándolas de su contexto y aislándolas o combinándolas con otras, además de resaltar el aspecto banal o kitsch de algún elemento cultural, a menudo a través del uso de la ironía. Los artistas del Pop Art se caracterizaron por pintar en lenguaje figurativo, temas tomados de la sociedad de consumo, los temas y objetos que más interesaban a la gente, mostrando esas imágenes en una forma artística. Se dan uso a imágenes que antes se consideraban indignas para el arte como publicidad, carteles, revistas, periódicos, embases de bebidas como la coca-cola, paquetes de cigarros, imágenes del cine o la televisión, etc.

¿CÓMO?

Andrew Warhol (agosto 6, 1928 hasta febrero 22, 1987), conocido como Andy Warhol, fue un pintor, grabador y director de cine que fue una figura destacada en el movimiento de arte visual conocido como el arte pop. Después de una exitosa carrera como ilustrador comercial, Warhol se convirtió en mundialmente famoso por su trabajo como pintor, cineasta de vanguardia, productor, escritor y miembro de los círculos sociales muy diversos que incluyen la gente bohemia de la calle, destacados intelectuales, celebridades de Hollywood y los ricos los clientes. Warhol ha sido objeto de numerosas exposiciones retrospectivas, libros y películas y documentales. Él acuñó la expresión utilizada "15 minutos de fama." En su ciudad natal de Pittsburgh, Pennsylvania, El Museo Andy Warhol existe en la memoria de su vida y obras de arte.

Latas de sopa Campbell (cuyo título original en inglés es Campbell's Soup Cans), también conocida como 32 latas de sopa Campbell, es una obra de arte producida en 1962 por el artista estadounidense.

Para Warhol, un ilustrador comercial que se convertiría en un exitoso autor, pintor y director de cine, esta obra constituyó su primera exposición individual en una galería de arte como artista profesional. La obra, expuesta por primera vez en la Galería Ferus de Los Ángeles, marcó el debut del arte pop en la Costa oeste de los Estados Unidos. Al principio, la combinación del proceso semimecanizado, el estilo y el tema comercial causaron molestia, ya que el evidente comercialismo mundano representaba una afrenta directa a la técnica y filosofía delexpresionismo abstracto, un movimiento artístico que fue dominante durante el periodo posterior a la Segunda Guerra Mundial y que se aferraba no sólo a los valores y la estética de las «Bellas Artes», sino también a una inclinación mística. Esta controversia condujo a un gran debate acerca de la ética y los méritos que suponían tal trabajo. Los motivos de Warhol como artista fueron cuestionados, y lo continúan siendo hoy en día. La gran conmoción pública ayudó a transformar a Warhol de un experimentado ilustrador comercial de los años 1950 a un notable artista de bellas artes, y lo hizo distinguirse de otros artistas pop emergentes. Aunque la demanda comercial por sus pinturas no fue inmediata, la relación de Warhol con el tema llevó a que su nombre se convirtiera en sinónimo de las pinturas de Latas de sopa Campbell. 

Fuentes:

http://popart22.blogspot.com.ar/2005/12/contexto-histrico-pop.html

http://es.wikipedia.org/wiki/Latas_de_sopa_Campbell

http://artpop.htmlplanet.com/popart.htm

https://es.wikipedia.org/wiki/Arte_pop

OP ART

¿CUÁNDO?
El Op Art surge a finales de la década de los '50, para asentarse en los años '60.
Al comienzo de la década de 1950 asistimos a los momentos de mayor confrontación prebélica entre los bloques formados por EEUU y sus aliados y la URSS y sus aliados, en la llamada Guerra Fría, que surgió al término de la Segunda Guerra Mundial. Momentos de enorme tensión se produjeron a partir del derribo del avión espía norteamericano “U2” sobre territorio soviético, o durante la conocida como "Crisis de los misiles de 1962", que los analistas consideran puso al mundo al borde del inicio de una tercera guerra mundial.Este comienzo de la década es representativo de un período que estaría caracterizado por las confrontaciones internacionales y las protestas de una ciudadanía cada vez más crítica con las acciones de sus gobernantes y la situación que se dibujaba en el mundo tras la recuperación económica de la posguerra: movimientos de protesta contra la Guerra de Vietnam; contra la invasión de los tropas soviéticas en Checoslovaquía, en la Primavera de Praga; en Mayo del 68 contra el orden establecido, durante las revueltas estudiantiles y sindicales que se inician en Francia y se extienden rapidamente por otros paises, etc.

Además, ocurren numerosos avances dentro del campo de las tecnologías: aparecen los primeros autómatas, surge la cibernética, aparece la informática, se desarrolla tecnológicamente la medicina, se investiga sobre la energía nuclear, EEUU coloca el primer ser humano en la luna.

¿QUÉ?

Su finalidad es la de producir la ilusión de vibración o movimiento en la superficie del cuadro. Se diferencia del arte cinético por la total ausencia de movimiento real. Fue rápidamente aceptado por el público por su estudiadas formas, que influyeron en otras áreas del arte como la publicidad, la gráfica y la moda.

En las obras de op art el observador participa activamente moviéndose o desplazándose para poder captar el efecto óptico completamente, por tanto se puede decir que no existe ningún aspecto emocional en las obras.ras la Segunda Guerra Mundial aparece una nueva generación de artistas abstractos. No sólo se preocupan por comunicar con sus obras un sentimiento, sino que exigen del espectador una actitud activa. En sus obras el ojo debe estar mirando una obra que se mueve, buscando el principio y el fin. 

Aunque el movimiento no sea real, el efecto es de total dinamismo. En la retina se perciben vibraciones, altibajos, formas que emergen y se retroatraen.

¿CÓMO?

Mediante la repetición de formas simples y un habilidoso uso de colores, luces y sombras, los artistas ópticos lograban en sus obras amplios efectos de movimiento, brindándole total dinamismo a superficies planas, las cuales terminaban siendo ante el ojo humano espacios tridimensionales llenos de vibración, movimiento y oscilación. Los elementos dominantes del arte óptico son: líneas paralelas rectas o sinuosas, los contrastes cromáticos marcados, ya sean, poli o bi-cromáticos, los cambios de forma o tamaño, la combinación o repetición de formas o figuras; también utiliza figuras geométricas simples como rectángulos, cuadrados, triángulos o círculos.

¿QUIÉN?

Victor Vasarely (Pecs, 1908 - París, 1997): Pintor húngaro afincado en París. Se empeñó en incorporar la dimensión temporal a la forma plástica, camino iniciado ya por los futuristas y Duchamp. Su pintura se basa en el rigor científico y combina las leyes de la física y el conocimiento de la geometría, junto a las cualidades perceptivas del color y su influencia en la percepción visual. Su obra no se basó tanto en la belleza de las formas como en la sorpresa visual que producen, motivada por el engaño perceptivo.

Entre 1927 y 1929 estudió en la Academia Poldini-Volkman de Budapest y en 1930 se instaló en París, donde trabajó como creador gráfico para agencias de publicidad. Tras un periodo de expresión figurativa, opta por un arte abstracto constructivo y geométrico, interesándose por la perspectiva sin puntos de fuga.

Entre 1936 y 1948 participa regularmente en el Salón de los Surindependientes y en el Salón de las Nuevas Realidades. A partir de 1948 expone habitualmente en la galería Denise René. En los años cincuenta introduce nuevos materiales en su trabajo (aluminio, cristal) y comienza a realizar obras de integración con el espacio, como Homenaje a Malevich. En los años sesenta participa en numerosas exposiciones colectivas, como The Responsive Eye del Museo de Arte Moderno de Nueva York, así como individuales en Europa y América.

Étude de mouvement:

Este cuadro fue hecho en 1939.

Da la sensación del movimiento de las olas con esas curvas más finas y gruesas de color negro cobre el fondo marrón claro casí anaranjado.

Esa figura que se puede ver flotando es un corcho usado en la pesca de color rojo que le da un enfoque atractivo a la imagen.

Fuentes:

http://funversion.universia.es/tendencias/reportajes/arte_optico.jsp

http://es.slideshare.net/ARROBA/opart

https://es.wikipedia.org/wiki/Op-art

https://es.wikipedia.org/wiki/D%C3%A9cada_de_1960

http://historiavictorvasarely.blogspot.com.ar/

http://ineselo69.blogspot.com.ar/2010/08/victor-vasarely.html