ARTE ABSTRACTO

¿CUÁNDO?
El arte abstracto es el estilo artístico que surge alrededor de 1910 y cuyas consecuencias han hecho de él una de las manifestaciones más significativas del espíritu del siglo XX.

En los años 1910, los intereses de las potencias mundiales empujaron a la humanidad a una nueva dimensión de conflicto, la Primera Guerra Mundial (iniciada en 1914), que aunque se inició como un conflicto europeo terminó absorbiendo a las principales naciones del mundo. La confrontación se inició tras el asesinato del archiduque Francisco Fernando en Sarajevo. Los grandes perdedores al cabo de los cuatro años en que se desarrolló la guerra fueron los imperios de Austria, que perdió tal distinción para siempre, y el imperio Ruso, cuya monarquía fue exterminada (la familia real fue ejecutada) par dar paso a un nuevo sistema de gobierno, el Bolchevique, liderado por Lenin.
E.E.U.U. se convirtió en potencia mundial de primer orden al igual que Japón, cuya primacía en Asia ya nadie discutía. Alemania perdió su pequeño imperio colonial, pero aun así logró mantener su infraestructura nacional. Fue el caso contrario al de Francia, que se suponía había resultado victoriosa en la guerra.
Gran Bretaña, aunque menos afectada que Francia, también vio retroceder su prestigio y de repente se encontró en condición de igualdad con E.E.U.U, país sobre el que hacia menos de un siglo aún tenía la pretensión de volverlo a integrar dentro de sus colonias.
Por su parte el piloto alemán Manfred von Richthofen fue el icono de la guerra.

¿QUÉ?

En la pintura abstracta, la obra de arte se convierte en una realidad autónoma, sin conexión con la naturaleza y, como consecuencia, ya no se representa hombres, paisajes, casas o flores, sino simplemente combinaciones de colores que intentan expresar la necesidad interior. Una de las características principales de la pintura abstracta es el uso de un lenguaje sin forma y la libertad cromática. El ruso Wasily Kandinsky es el artista que impulsa la pintura no figurativa en Munich, a principios del siglo XX. “En el campo pictórico, una mancha redonda puede ser más significativa que una figura humana”, señala el pintor. Para él, el elemento interior determina la obra de arte. En 1921 Kandinsky se traslada a Berlín dónde se incorpora a la escuela de diseño, arte y arquitectura de la Bauhaus. En esta escuela se encuentra otro de los artistas destacados en la pintura abstracta, el suizo Paul Klee. El maestro explicaba en sus clases y en sus escritos cómo los elementos gráficos (el punto, la línea, el plano y el espacio) adquieren significado mediante una descarga de energía dentro de la mente del artista.

El arte abstracto deja de considerar justificada la necesidad de la representación figurativa y tiende a sustituirla por un lenguaje visual autónomo, dotado de sus propias significaciones (iconografía). El arte abstracto usa un lenguaje visual de forma, color y línea para crear una composición que puede existir con independencia de referencias visuales del mundo real.

¿CÓMO?

La abstracción se aparta de la realidad en la representación de la imaginería en el arte. Este distanciamiento de una representación exacta puede ser sólo ligera, parcial o completa. La abstracción existe con cierta graduación. Incluso el arte que pretende verosimilitud del más alto grado puede ser abstracto, al menos en teoría, pues la representación perfecta es extremadamente improbable. La obra de arte que se toma libertades, alterando por ejemplo el color y la forma de maneras evidentes, puede decirse que en parte es abstracta. La abstracción total no conserva ninguna traza de referencia a nada reconocible. El arte figurativo y la abstracción total son casi mutuamente excluyentes. Pero el arte figurativo y el representativo (o realista) a menudo contiene algo de abstracción parcial. Entre los muy diversos movimientos artísticos que personifican una abstracción parcial estarían por ejemplo el fauvismo en el que el color está intencionadamente alterado en relación con la realidad, y el cubismo, que claramente altera las formas de la vida real en los objetos que representa.

¿QUIÉN?

Pieter Cornelis Mondriaan (Amersfoort, 7 de marzo de 1872 - Nueva York, 1 de febrero de 1944), conocido como Piet Mondrian, fue un pintor vanguardista neerlandés, miembro de De Stijl y fundador del neoplasticismo, junto con Theo van Doesburg. Evolucionó desde el naturalismo y el simbolismo hasta la abstracción, de la cual es el principal representante inaugural junto a los rusos Wassily Kandinski y Kazimir Malévich.

lustración realizada en el estiloneoplasticista de Piet Mondrian.

El arte de Mondrian siempre estaba íntimamente relacionado a sus estudios espirituales y filosóficos. A partir de 1908, se interesó en el movimiento teosófico fundado por Helena Petrovna Blavatsky a fines del siglo XIX. Blavatsky creyó que era posible lograr un conocimiento de la naturaleza más profundo que sólo el proporcionado por los medios empíricos, y mucho del trabajo de Mondrian del resto de su vida estuvo inspirado por la búsqueda de ese supuesto conocimiento esencial. Una frase suya lo explica: «solo cuando estemos en lo real absoluto el arte no será ya más necesario».

En efecto: al dedicarse a la abstracción geométrica, Mondrian, busca encontrar la estructura básica del universo, la supuesta “retícula cósmica” que él intenta representar con el no-color blanco (presencia de todos los colores) atravesado por una trama de líneas de no-color negro (ausencia de todos los colores) y, en tal trama, planos geométricos (frecuentemente rectangulares) de los ya mencionados colores primarios, considerados por Mondrian como los colores elementales del universo. De este modo, repudiando las características sensoriales de la textura y la superficie, eliminando las curvas, y en general todo lo formal. Expresó que el arte no debe ser figurativo, no debe implicarse en la reproducción de objetos aparentemente reales, sino que el arte debe ser una especie de indagación de lo absoluto subyacente tras toda la realidad fenoménica. Como anécdota de sus ligeras excentricidades cabe mencionar que prohibió el color verde en su casa.

Fuentes:

http://www.artelista.com/arte-abstracto.html

http://es.wikipedia.org/wiki/A%C3%B1os_1910

http://www.historiayarte.net/a-arte-abstracto.html

http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Mondrian_lookalike.svg

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/m/mondrian.htm

FUTURISMO

¿CUÁNDO?
El fundador y alma del futurismo fue el poeta italiano Filippo Tomasso Marinetti (1876-1944). El 20 de febrero de 1909 publicó en el periódico Le Figaro el "Primer manifiesto del futurismo". El 11 de abril del mismo año se proclamó otro manifiesto más técnico.
Los mítines y las manifestaciones futuristas acababan normalmente en batalla campal. Sus dirigentes eran maestros en el arte de la propaganda y habían captado la importancia que en aquella época se daba al sensacionalismo. Las publicaciones futuristas utilizaban siempre un tono altisonante digno de figurar en las páginas de sucesos de un periódico sensacionalista; de aquí viene que el movimiento consiguiera tanta popularidad.
El siglo XX se inicia en medio de grandes adelantos tecnológicos, entre los cuales el automóvil ocupa un lugar destacado. En América Henry Ford adelantó una verdadera revolución en el sistema de producción industria que puso a prueba con la fabricación de su Modelo T.
En 1905, la Guerra ruso-japonesa enfrentó al Imperio del Japón con el imperio de los zares de Rusia. El fin de la guerra dio como vencedor a Japón para la sorpresa del mundo occidental. La nación asiática se convirtió de facto en una nueva potencia mundial.
El Imperio alemán o Segundo Reich comenzó a forjarse en torno a Prusia de una manera clara desde el reinado de Federico II el Grande y se consolidó de manera definitiva en las últimas décadas del siglo XIX, gracias al impulso dado por Otto von Bismarck. En los primeros años del siglo XX, la situación de Alemania dentro de Europa había alcanzado una posición demasiado crucial para los intereses de las demás potencias. Especialmente, Gran Bretaña y Francia veían amenazados muchos de sus intereses, lo que las llevó a suscribir la llamada Entente cordiale, ya que el desarrollo industrial y militar de Alemania se presentaba difícil de igualar por el conjunto de las naciones europeas. Además, este ímpetu de Prusia fue lo condujo a la Casa de Austria a perder progresivamente su condición de potencia continental.

¿QUÉ?

El Futurismo fue una vanguardia que buscaba reflejar el movimiento, el dinamismo, la velocidad, la fuerza interna de las cosas, la exaltación de la guerra, las máquinas, lo nacional y lo sensual y todo lo que fuese moderno. Este movimiento rompía con lo tradicional, el pasado y el academicismo. Este movimiento buscaba romper con la tradición, el pasado y los signos convencionales de la historia del arte. Consideraba como elementos principales a la poesía, el valor, la audacia y la revolución, ya que se pregonaba el movimiento agresivo, el insomnio febril, el paso gimnástico, el salto peligroso y la bofetada irreverente. Tenía como postulados: la exaltación de lo sensual, lo nacional y guerrero, la adoración de la máquina, el retrato de la realidad en movimiento, lo objetivo de lo literario y la disposición especial de lo escrito, con el fin de darle una expresión plástica.

Rechazaba la estética tradicional e intentó ensalzar la vida contemporánea, basándose en sus dos temas dominantes: la máquina y el movimiento. Se recurría, de este modo, a cualquier medio expresivo (artes plásticas, arquitectura, urbanismo, publicidad, moda, cine, música, poesía) capaz de crear un verdadero arte de acción, con el propósito de rejuvenecer y construir de nuevo la faz del mundo. Los artistas plásticos pintarán la cultura urbana, máquinas, deportes, guerra, vehículos en movimiento, etc.

¿CÓMO?

Particularidades:
- Exaltación de la originalidad.
- Estructuras del movimiento: tiempo, velocidad, energía, fuerza, etc.
- Contenido relacionado con el mundo moderno, las ciudades y los automóviles, su bullicio y dinamismo. Así como máquinas, deportes, guerra, etc.
- Utilización de formas y colores para generar ritmos.
- Colores resplandecientes
- Transparencias
- Multiplicación de líneas y detalles, semejantes a la sucesión de imágenes de un caleidoscopio o una película, (como resultado da la impresión de dinamismo).

¿QUIÉN?

Umberto Boccioni (Reggio de Calabria, Italia, 1882-Verona, id., 1916): Pintor y escultor italiano. Figura clave del movimiento futurista italiano, fue también uno de sus más destacados teóricos.

Se inició en el divisionismo de la mano de Giacomo Balla. Después de pasar algún tiempo en París, Rusia, Padua y Venecia, se instaló definitivamente en Milán y se interesó por todo lo referente a la sociedad industrial moderna.

Influido por el simbolismo y por el expresionismo de Munch, y tras varios encuentros con Marinetti, Carrà y Russolo, la obra de Boccioni se desarrolló a partir de 1910 alrededor de dos conceptos clave: dinamismo y simultaneidad. Entre sus obras cabe destacar La ciudad que surge (1910) y La calle ante la casa (1911), pinturas que, aun siendo formalmente distintas, hacen referencia al mismo tema, la ciudad, que para los futuristas simbolizaba la modernidad, el movimiento y la velocidad.

Un dibujo a plumilla de Boccioni representa un Ciclista (1913), por así decirlo, sujeto a un motivo que es la velocidad. La línea vibrante, la luz y el movimiento vienen a destruir la corporeidad material de lo representado. En la sensación de movimiento, de dinamismo, los elementos se desdoblan, los perfiles se multiplican, y las cosas se deforman. Con el movimiento y la vibración se trascienden las presencias físicas, se hacen transparentes los cuerpos.

En 'Dinamismo de un ciclista', expresa la sensación del dinamismo presentando una secuencia de varios movimientos al mismo tiempo.

Se organizan en disparatadas rectas, formalmente próximas al cubismo, pero diferenciadas en su aspiración a un movimiento frenético, casi desesperado.

Fuentes:

http://epdlp.com/pintor.php?id=195
http://vereda.ula.ve/historia_arte/?page_id=322

http://es.wikipedia.org/wiki/Futurismo

http://www.ccapitalia.net/macchina/futurismo.htm

http://historialdedisenio.wordpress.com/2008/06/19/caracteristicas-del-futurismo/

CUBISMO

¿CUÁNDO?
El cubismo surge en el siglo XX, exactamente en 1908. En esos tiempos la situación mundial era muy tensa, ya había presagios de guerra. España acababa de perder sus últimas posesiones coloniales: Filipinas, Puerto Rico, Guam y Cuba, esta última pérdida, la más dolorosa, ya que la isla se había incorporado recientemente como una provincia del Reino. Gran Bretaña y Francia, que vivían un enorme progreso científico e industrial, debían afrontar el surgimiento de una nueva potencia rival en el continente, Alemania, con la que se disputarían África; y Alemania, recelosa de su imperialismo tardío se aventuraría incluso hasta Nueva Guinea. En tanto el Imperio otomano, y con él el Islam, ganaba terreno en los Balcanes,Las artes estaban en una búsqueda de algo nuevo. Así es como varios pintores comenzaron a descubrir nuevas formas de expresión, una de ellas fue el cubismo, que tuvo a su máximo exponente a pablo Picasso, y que fue quien mas desarrollo dicho estilo.

El cubismo fue uno de los primeros movimientos artísticos que surgió en el siglo XX, nacido en Francia y encabezado por Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris. Este movimiento fue transformándose en una verdadera revolución dentro de la pintura, 
El cubismo está basado en muchas corrientes y es uno de los movimientos más importantes del siglo XX, es una introducción a la pintura abstracta.
El término cubismo fue acuñado por el crítico francés Louis Vauxcelles, diciendo que era una pintura compuesta por pequeños cubos.

¿QUÉ?

Hasta ahora, los pintores habían expresado las tres dimensiones de la forma sobre una tela de dos dimensiones mediante la utilización de los principios y de las técnicas de la perspectiva. Los pintores cubistas negaban esta solución, que consideraban como un falseamiento, y querían expresar el volumen y el espacio mediante una superposición de planos, representando, a la vez, las partes vistas y las escondidas, o descomponiendo y yuxtaponiendo el color y la forma. Su trabajo fue una búsqueda constante de la profundidad. No puede decirse, sin embargo, que esta nueva forma de expresión de la profundidad fuera una tercera dimensión, sino que más bien era una experiencia de la reversibilidad de las dimensiones, una visión global en la cual la altura, la profundidad y la distancia coexistieran a la vez. La forma externa, la que envuelve los cuerpos, era un elemento secundario; por lo tanto era necesario romper con él y tomar las formas puras que lo constituyen: cubos, cilindros, conos, etc.

Fue, en esencia, un movimiento realista; no negaban la pintura figurativa, sino sólo rechazaban los métodos que se utilizaban para la figuración. Cuando pintaban cualquier tema, querían encontrar su imagen más real, para lo cual evitaban ceñirse a puntos de vista parciales o a visiones limitadas.

¿CÓMO?

El cubismo está influenciado por las esculturas africanas. Los cuadros cubistas tienen muchos ángulos. Suelen ser figuras geométricas. Las principales figuras geométricas que usan los pintores cubistas son el cilindro, el cono y el cubo. El color es lo menos importante, suele ser aleatorio.
Los cubistas tenían conciencia de que el hombre moderno se desplaza cada vez con mayor rapidez y, consecuentemente, la idea que se forma de las cosas es compleja. Para traducir toda esa complejidad pintan distintas caras de un mismo objeto, reuniendo en una sola imagen lo que la mirada solo logra percibir sucesivamente. Resaltan así la idea de “simultaneidad”. Los artistas cubistas, al introducir una visión tridimensional del espacio, representaban de forma simultánea varios aspectos de un mismo objeto visto desde todos sus ángulos.
El cubismo representa una ruptura con la pintura tradicional: desaparición de la perspectiva (profundidad), utilización de una gama de color apagada (grises, tonos pardos y verdes suaves), introducción de la visión simultánea de varias configuraciones de un objeto (vista de frente y de perfil, por ejemplo) con lo cual desaparece el punto de vista único y, finalmente, atención a la cuarta dimensión (el tiempo) como un factor más de la pintura.
A pesar de ser pintura de vanguardia, los géneros que se pintan no son nuevos, y entre ellos se encuentran sobre todo bodegones, paisajes y retratos.

¿QUIÉN?

Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Cipriano de la Santísima Trinidad Ruiz y Picasso (Málaga, España; 25 de octubre de 1881 — Mougins, Francia; 8 de abril de 1973), conocido como Pablo Picasso, fue un pintor y escultor español, creador, junto con Georges Braque y Juan Gris, del movimiento cubista.

Considerado uno de los mayores artistas del siglo XX, participó desde la génesis en muchos movimientos artísticos que se propagaron por el mundo y ejercieron una gran influencia en otros grandes artistas de su tiempo. Incansable y prolífico, pintó más de dos mil obras, presentes en museos y colecciones de toda Europa y del mundo. Además, abordó otros géneros como el dibujo, el grabado, la ilustración de libros, la escultura, la cerámica y el diseño de escenografía y vestuario para montajes teatrales.

'Las Señoritas de Avignon' es el cuadro que marca el comienzo del cubismo, donde rompe con todas las normas tradicionales de la pintura figurativa fragmentando la perspectiva en volúmenes cuadrados y angulosos. El título se refiere aun burdel barcelonés situado en una calle con el mismo nombre. Vemos el influjo de Cézanne, del arte ibérico y de la escultura negra. Las mujeres que aparecen desnudas tienen desfigurados sus rostros, algunas de ellas recuerdan máscaras africanas.Esta obra es considerada el inicio del arte moderno y pertenece a las vanguardias pictóricas del siglo XX.

Fuentes:

http://www.artelista.com/cubismo.html

http://www.profesorenlinea.cl/artes/cubismo.htm

http://cv.uoc.edu/~04_999_01_u07/senyoretes/hiper0707.html

http://ar.answers.yahoo.com/question/index?qid=20110209185030AA6T858

http://pastranec.net/arte/sigloxx/cubismo.htm

FAUVISMO

¿CUÁNDO?
El fauvismo fue un movimiento pictórico francés de escasa duración. Se desarrolló entre 1904-1908 aproximadamente. El crítico de arte Louis Vauxcelles tras contemplar las gamas cromáticas estridentes y agresivas de los trabajos expuestos les atribuyó el término "fauves", que en español significa fieras. El nombre asignado era en origen un calificativo peyorativo, como les sucedió a otros movimientos artísticos del S. XX, pero fue asumido por el público y posteriormente introducido en la historia del arte sin connotaciones despectivas.
El siglo XX se inicia en medio de grandes adelantos tecnológicos, entre los cuales el automóvil ocupa un lugar destacado. En América Henry Ford adelantó una verdadera revolución en el sistema de producción industria que puso a prueba con la fabricación de su Modelo T.

En 1905, la Guerra ruso-japonesa enfrentó al Imperio del Japón con el imperio de los zares de Rusia. El fin de la guerra dio como vencedor a Japón para la sorpresa del mundo occidental. La nación asiática se convirtió de facto en una nueva potencia mundial.
El Imperio alemán o Segundo Reich comenzó a forjarse en torno a Prusia de una manera clara desde el reinado de Federico II el Grande y se consolidó de manera definitiva en las últimas décadas del siglo XIX, gracias al impulso dado por Otto von Bismarck. En los primeros años del siglo XX, la situación de Alemania dentro de Europa había alcanzado una posición demasiado crucial para los intereses de las demás potencias. Especialmente, Gran Bretaña y Francia veían amenazados muchos de sus intereses, lo que las llevó a suscribir la llamada Entente cordiale, ya que el desarrollo industrial y militar de Alemania se presentaba difícil de igualar por el conjunto de las naciones europeas. Además, este ímpetu de Prusia fue lo condujo a la Casa de Austria a perder progresivamente su condición de potencia continental.

¿QUÉ?

El Fauvismo no fue un movimiento conscientemente definido, careció de un manifiesto. Fue un mosaico de aportaciones en el que cada pintor acometía sus obras como una experiencia personal cargada de espontaneidad y de frescura. Les unió la actitud violenta con la que se enfrentaron a los convencionalismos de la época rechazando las reglas y los métodos racionales establecidos. Reaccionan contra el Impresionismo y contra la importancia que éstos habían dado a la luz a costa de la pérdida del color. se caracteriza por ser estético y sentimental, por ser un estado de espíritu ligado a las circunstancias del momento. Se apega a la libertad total de la naturaleza. Es más expresiva que realista, plasmando primordialmente los colores. El artista fauve implanta una comunión con la naturaleza, uniendo el arte con la vida, y a su vez, rechazando cualquier tipo de convencionalismos. El artista moldea, crea su obra a partir de un principio generador parecida a la naturaleza. El fauvismo no debe ser entendido como una liberación desordenada que rechaza todo tipo de disciplinas o como ignorante.

Otra característica del fauvismo es el gusto por el arte africano-negro y la influencia que este mismo tuvo en las obras. Este gusto por “lo otro”, encamina al fauvismo hacia una un ambiente cada vez más vanguardista. Sus temas son retratos, naturalezas muertas, personajes en interiores, paisajes hermosos.

¿CÓMO?

Los fauvistas creían que a través de los colores podían expresar sentimientos y este pensamiento condicionó su forma de pintar. No buscan la representación naturalista, sino realzar el valor del color en sí mismo. Por ello, rechazaron la paleta de tonos naturalistas empleada por los impresionistas a favor de los colores violentos para crear un mayor énfasis expresivo.

La paleta de colores de los foves se destaca por el empleo de un cromatismo antinatural, buscan la fuerza expresiva del color, colocando colores diferentes de los reales, por ejemplo pintar los árboles de amarillo limón y los rostros en color verde esmeralda.

Emplearon una pincelada directa y vigorosa, con toques gruesos, sin mezclas, evitando matizar los colores. Las figuras resultan planas, lineales, encerradas en gruesas líneas de contorno. Sus creaciones respondían a un ejercicio de sintetización, buscan la máxima intensidad emocional combinada con la máxima simplificación de elementos. Por ello renuncian a la perspectiva clásica, al claroscuro y al modelado de los volúmenes. La luz tiende a desaparecer y con ella la profundidad. 

¿QUIÉN?

André Derain (Chatou, 10 de junio de 1880 - Garches, 8 de septiembre de 1954) fue un pintor e ilustrador, escenógrafo francés. Derain tenía diez y ocho años de edad cuando entra a la Academia Carriere lugar donde conoce a Matisse y a Vlaminck. En 1905 dichos pintores exhiben en el Salón de Otoño junto a sus colegas Rouault, y Henri Charles Manguin, es la primera exposición de Fauvismo, que expresa emoción con color, que visita el público Francés. Derain era pintor, escultor, hacia diseños especiales para los escenarios, disfraces, para las bailarinas rusas, y aparte coleccionaba obras. Era un ser muy inteligente y preparado, no sólo en el arte de la pintura sino que también tenía una educación universal. Fue el alma del fauvismo con su inclinación a los matices, su juventud impetuosa y su febril perseverancia. Derain demuestra su receptividad al nuevo dogma de “forma a través del color” admiraba a Van Gogh y a Cézanne.

La mayor parte de su producción de época fauvista son personajes campestres y urbanos, como Puente en Londres (1906) y muestran colores puros, a menudo aplicados sobre el lienzo directamente con el tubo, pinceladas irregulares y despreocupación por la perspectiva o por la representación realista.

Fuentes:

http://www.swingalia.com/pintura/caracteristicas-del-fauvismo.php
http://fauvismosigloxx.wordpress.com/
www.spanisharts.com/history/del_impres_s.XX/arte.../fauvismo.html
es.wikipedia.org/wiki/Años_1900
http://www.arteespana.com/fauvismo.htm

EXPRESIONISMO

El grito

Edvard Munch, 1893

Óleo, temple y pastel sobre cartón • Expresionismo

NEOIMPRESIONISMO

    Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte

(Un dimanche après-midi à l'Ile de la Grande Jatte)

Georges Pierre Seurat, 1884

Óleo sobre lienzo • Neoimpresionismo

POSTIMPRESIONISMO

¿CUÁNDO?

El nombre "postimpresionismo" es un término histórico-artístico que se aplica a los estilos pictóricos de fines del siglo XIX y principios del siglo XX. Surge entre 1880 y 1905 aproximadamente  como una reacción contra el Impresionismo y le Neo-Impresionismo. El término fue acuñado por el crítico británico Roger Fry. En 1910 organizó en Londres una exposición sobre pintura francesa de finales del s.XIX que tituló «Manet y los postimpresionistas». Los artistas que mejor representados estaban en dicha exposición fueron Cézanne, Gauguin y Van Gogh. Fry reconocía que «Postimpresionismo» era un nombre bastante impreciso, ya que estos artistas sólo tenían en común una ambigua relación con el Impresionismo, del que parten para tratar de superarlo por diversos caminos.
A comienzo del siglo XX los gobiernos europeos sostenían que tener el poderío industrial era la clave para llegar a conquistar el mundo.
Por eso países con economías débiles durante el siglo XIX, desde la segunda mitad de ese siglo intentarán equipararse en materia industrial a la próspera, por entonces sociedad de Gran Bretaña. Para ello los Estados debieron obtener el apoyo del comercio, de los bancos y de los empresarios. El advenimiento de la industria transformará a la sociedad occidental.
De aldeas y de granjas se pasará a pueblos y a grandes ciudades con altos niveles de tecnología que determinarán un cambio en la vida del hombre.La estructura social se modificará. A los artesanos se le unirá un ejército de obreros semicalificados y no calificados de la construcción, del transporte, de la industria en general. Mejoró la educación, se hizo más fácil de impartir, y por otra parte fue imprescindible en este mundo de innovaciones permanentes. Estados Unidos había concluido su guerra del Caribe contra España. Esta perdió Cuba, su último baluarte en América.Todo se daba para creer que la paz sería eterna. Nadie pensaba que en poco tiempo se encontraría el mundo envuelto en una de las guerras más cruentas de la historia.
Se creía que "la bella época" como así se la dio en llamar, sería para siempre.

¿QUÉ?

Pintaban temas de la vida real, pero intentaron llevar más emoción y expresión. Reaccionaron contra el deseo de reflejar fielmente la naturaleza y presentaron una visión muy subjetiva del mundo. Los Postimpresionistas buscaban ampliar los horizontes expresivos de la pintura, sin resignarse a plasmar pasivamente lo observado en la realidad (en contraste con los impresionistas, que estaban interesados en captar efectos fugaces reflejándolos en el lienzo tal y como eran observados en la Naturaleza).

¿CÓMO?

Las características más importantes de la técnica postimpresionista son las siguientes:

• Interés por la construcción de la forma, el dibujo y la expresividad de los objetos y figuras humanas.
• Conciliación entre efecto volumétrico (conculcado por el fulgor luminoso impresionista que casi había desmaterializado las formas) y el gusto puramente estético (Cézanne).
• Concepción del cuadro a base de cuerpos rigurosamente geométricos (Cézanne).
• Se elimina la perspectiva en profundidad, se descompone la corporeidad de los objetos a elementos geométricos básicos; se crea la teoría científica de los colores denominada cromoluminarismo.
• Empleo de colores contrastantes para distendir y definir los planos y formas.
• Efectos pictóricos basados en búsquedas estructurales, espaciales y cromáticas.
• Utilización de colores puros con gran carga emotiva (Van Gogh) y modulados (Gauguin).
• Creaciones imaginativas a base de pinceladas cursivas que intentan expresar la angustia y el desconsuelo interior (Van Gogh).
• Interés por lo exótico (Gauguin) y los bajos fondos (Toulouse-Lautrec).
• Creación de composiciones simplificadas y estáticas, buscando la armonía de las masas cromáticas encerradas en perfiles bien ceñidos (Gauguin).

¿QUIÉN?

Un destacado autor de este movimiento es Paul Gauguin (1848-1903).  Cuando apenas tenia un año, su padre, periodista político, se embarcó con toda la familia hacia Perú, pero falleció en el viaje. No obstante, gracias a los sólidos contactos que su madre tenia en Lima, Gauguin vivió sin apremios los primeros siete años de su vida antes de que todos volvieran a Francia en 1855. A los 17 años Gauguin se enroló en la marina mercante.  A principios de la década de 1870, Gauguin se transformo en un entusiasta “pintor dominguero “, y en 1876 era lo suficientemente diestro como para que uno de sus paisajes fuese aceptado para ser exhibido en el Salón oficial anual.Trabajando mucho en su tiempo libre, Gauguin adoptó la técnica impresionista de pintar paisajes en el acto, usando pinceladas  diminutas de colores puros para capturar así los efectos atmosféricos. Los que siguieron fueron años de privaciones. Gauguin y Mette se fueron a vivir con la familia de ella a Copenhague. Después de que él se fue, nunca más volvieron a vivir juntos. En 1887 Gauguin  realizo su primera excursión artística al trópico, quedándose unos meses en Panamá y en la isla de Martinica. Forzado a volver a Francia por la malaria y la pobreza, se llevo consigo pinturas vívidas en las que había aplicado el color sin restricciones.

El progreso artístico de Gauguin, sin embargo, resultó aún más sorprendente durante sus visitas a finales de la década de 1880 a la región de Bretaña, que por entonces era un lugar remoto y estimulantemente “primitivo “.Allí comenzó a desarrollar su estilo tan particular, con formas simplificadas y de contornos pronunciados y colores fuertes. Dicho estilo estaba completamente constituido en 1888 cuando pasó dos meses catastróficos en Arles junto a Vincent van Gogh. Hacia 1891 Gauguin ya era una figura destacada entre los artistas y poetas parisinos, pero decidió radicarse en el lejano Tahití debido a su paupérrima condición económica.Las pinturas más célebres las realizó en esta isla, y esas imágenes de una sencillez primitiva incorrupta cautivaron la imaginación occidental.Si bien adoraba vivir en el  trópico, las cosas siguieron yéndole mal, por lo que regresó a París en 1893, esperando que sus pinturas tahitianas tuvieran éxito y le brindaran, por fin, fama y bienestar. Gauguin retornó a Tahití después de dos años de fustigaciones. Por entonces ya estaba enfermo, con distintas afecciones agravadas por una infección sifilítica. Entrando y saliendo de los hospitales en forma constante, haciendo trabajos de poca importancia e dedicado a veces a la política y al periodismo, su producción artística fue irregular, aunque en esta época llevó a cabo algunas de sus obras más célebres. En 1901 Gauguin se alejó por última vez de la civilización usurpadora, estableciéndose en las islas Marquesas.El placer de vivir en este nuevo paraíso se vio interrumpido rápidamente debido a serios problemas que tuvo con las autoridades locales, y el 8 de mayo de 1903, cuando apelaba contra una sentencia de 3 meses de prisión, falleció de un ataque cardíaco.

Mujeres de Tahití (En la playa), es un cuadro del pintor francés Paul Gauguin. Está realizado en óleo sobre lienzo. Mide 69 cm de alto y 91,5 cm de ancho. Fue pintado en 1891. Se encuentra en el Museo de Orsay, París, Francia. También es conocido como Tahitianas en la playa.

Este cuadro fue realizado por Gauguin durante su primera estancia en la isla de Tahití. Allí descubrió un tipo femenino distinto al de las mujeres europeas, que reflejó en numerosos cuadros, como este en el que unas mujeres tahitianas se encuentran en la playa.

Una de las mujeres, la que queda a la izquierda del cuadro, viste a la manera tradicional, con ornamentación esquemática y plana que recuerda las estampas japonesas. Sin embargo, la de la derecha viste un vestido rosa típico de las misioneras. En una versión posterior del mismo tema sustituyó este vestido por un pareo.

Está pintado con la técnica conocida como «cloisonismo»: encierra con trazos negros o azul de Prusia los colores planos. Destaca la monumentalidad del cuerpo humano, así como la perspectiva, forzada, que deforma los cuerpos.

Fuente:

http://fcalzado.es/impresionismo/xhtml/05posimp/05a.html

http://enciclopedia.us.es/index.php/Postimpresionismo

http://arteaula23.blogspot.com.ar/2011/05/postimpresionismo-cezanne-gauguin-van.html

http://www.alipso.com/monografias/gauguin/

http://es.wikipedia.org/wiki/Mujeres_de_Tahit%C3%AD

http://www.oni.escuelas.edu.ar/olimpi98/juanitoyramona/elmundoa.htm