EXPRESIONISMO

El grito

Edvard Munch, 1893

Óleo, temple y pastel sobre cartón • Expresionismo

NEOIMPRESIONISMO

    Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte

(Un dimanche après-midi à l'Ile de la Grande Jatte)

Georges Pierre Seurat, 1884

Óleo sobre lienzo • Neoimpresionismo

POSTIMPRESIONISMO

¿CUÁNDO?

El nombre "postimpresionismo" es un término histórico-artístico que se aplica a los estilos pictóricos de fines del siglo XIX y principios del siglo XX. Surge entre 1880 y 1905 aproximadamente  como una reacción contra el Impresionismo y le Neo-Impresionismo. El término fue acuñado por el crítico británico Roger Fry. En 1910 organizó en Londres una exposición sobre pintura francesa de finales del s.XIX que tituló «Manet y los postimpresionistas». Los artistas que mejor representados estaban en dicha exposición fueron Cézanne, Gauguin y Van Gogh. Fry reconocía que «Postimpresionismo» era un nombre bastante impreciso, ya que estos artistas sólo tenían en común una ambigua relación con el Impresionismo, del que parten para tratar de superarlo por diversos caminos.
A comienzo del siglo XX los gobiernos europeos sostenían que tener el poderío industrial era la clave para llegar a conquistar el mundo.
Por eso países con economías débiles durante el siglo XIX, desde la segunda mitad de ese siglo intentarán equipararse en materia industrial a la próspera, por entonces sociedad de Gran Bretaña. Para ello los Estados debieron obtener el apoyo del comercio, de los bancos y de los empresarios. El advenimiento de la industria transformará a la sociedad occidental.
De aldeas y de granjas se pasará a pueblos y a grandes ciudades con altos niveles de tecnología que determinarán un cambio en la vida del hombre.La estructura social se modificará. A los artesanos se le unirá un ejército de obreros semicalificados y no calificados de la construcción, del transporte, de la industria en general. Mejoró la educación, se hizo más fácil de impartir, y por otra parte fue imprescindible en este mundo de innovaciones permanentes. Estados Unidos había concluido su guerra del Caribe contra España. Esta perdió Cuba, su último baluarte en América.Todo se daba para creer que la paz sería eterna. Nadie pensaba que en poco tiempo se encontraría el mundo envuelto en una de las guerras más cruentas de la historia.
Se creía que "la bella época" como así se la dio en llamar, sería para siempre.

¿QUÉ?

Pintaban temas de la vida real, pero intentaron llevar más emoción y expresión. Reaccionaron contra el deseo de reflejar fielmente la naturaleza y presentaron una visión muy subjetiva del mundo. Los Postimpresionistas buscaban ampliar los horizontes expresivos de la pintura, sin resignarse a plasmar pasivamente lo observado en la realidad (en contraste con los impresionistas, que estaban interesados en captar efectos fugaces reflejándolos en el lienzo tal y como eran observados en la Naturaleza).

¿CÓMO?

Las características más importantes de la técnica postimpresionista son las siguientes:

• Interés por la construcción de la forma, el dibujo y la expresividad de los objetos y figuras humanas.
• Conciliación entre efecto volumétrico (conculcado por el fulgor luminoso impresionista que casi había desmaterializado las formas) y el gusto puramente estético (Cézanne).
• Concepción del cuadro a base de cuerpos rigurosamente geométricos (Cézanne).
• Se elimina la perspectiva en profundidad, se descompone la corporeidad de los objetos a elementos geométricos básicos; se crea la teoría científica de los colores denominada cromoluminarismo.
• Empleo de colores contrastantes para distendir y definir los planos y formas.
• Efectos pictóricos basados en búsquedas estructurales, espaciales y cromáticas.
• Utilización de colores puros con gran carga emotiva (Van Gogh) y modulados (Gauguin).
• Creaciones imaginativas a base de pinceladas cursivas que intentan expresar la angustia y el desconsuelo interior (Van Gogh).
• Interés por lo exótico (Gauguin) y los bajos fondos (Toulouse-Lautrec).
• Creación de composiciones simplificadas y estáticas, buscando la armonía de las masas cromáticas encerradas en perfiles bien ceñidos (Gauguin).

¿QUIÉN?

Un destacado autor de este movimiento es Paul Gauguin (1848-1903).  Cuando apenas tenia un año, su padre, periodista político, se embarcó con toda la familia hacia Perú, pero falleció en el viaje. No obstante, gracias a los sólidos contactos que su madre tenia en Lima, Gauguin vivió sin apremios los primeros siete años de su vida antes de que todos volvieran a Francia en 1855. A los 17 años Gauguin se enroló en la marina mercante.  A principios de la década de 1870, Gauguin se transformo en un entusiasta “pintor dominguero “, y en 1876 era lo suficientemente diestro como para que uno de sus paisajes fuese aceptado para ser exhibido en el Salón oficial anual.Trabajando mucho en su tiempo libre, Gauguin adoptó la técnica impresionista de pintar paisajes en el acto, usando pinceladas  diminutas de colores puros para capturar así los efectos atmosféricos. Los que siguieron fueron años de privaciones. Gauguin y Mette se fueron a vivir con la familia de ella a Copenhague. Después de que él se fue, nunca más volvieron a vivir juntos. En 1887 Gauguin  realizo su primera excursión artística al trópico, quedándose unos meses en Panamá y en la isla de Martinica. Forzado a volver a Francia por la malaria y la pobreza, se llevo consigo pinturas vívidas en las que había aplicado el color sin restricciones.

El progreso artístico de Gauguin, sin embargo, resultó aún más sorprendente durante sus visitas a finales de la década de 1880 a la región de Bretaña, que por entonces era un lugar remoto y estimulantemente “primitivo “.Allí comenzó a desarrollar su estilo tan particular, con formas simplificadas y de contornos pronunciados y colores fuertes. Dicho estilo estaba completamente constituido en 1888 cuando pasó dos meses catastróficos en Arles junto a Vincent van Gogh. Hacia 1891 Gauguin ya era una figura destacada entre los artistas y poetas parisinos, pero decidió radicarse en el lejano Tahití debido a su paupérrima condición económica.Las pinturas más célebres las realizó en esta isla, y esas imágenes de una sencillez primitiva incorrupta cautivaron la imaginación occidental.Si bien adoraba vivir en el  trópico, las cosas siguieron yéndole mal, por lo que regresó a París en 1893, esperando que sus pinturas tahitianas tuvieran éxito y le brindaran, por fin, fama y bienestar. Gauguin retornó a Tahití después de dos años de fustigaciones. Por entonces ya estaba enfermo, con distintas afecciones agravadas por una infección sifilítica. Entrando y saliendo de los hospitales en forma constante, haciendo trabajos de poca importancia e dedicado a veces a la política y al periodismo, su producción artística fue irregular, aunque en esta época llevó a cabo algunas de sus obras más célebres. En 1901 Gauguin se alejó por última vez de la civilización usurpadora, estableciéndose en las islas Marquesas.El placer de vivir en este nuevo paraíso se vio interrumpido rápidamente debido a serios problemas que tuvo con las autoridades locales, y el 8 de mayo de 1903, cuando apelaba contra una sentencia de 3 meses de prisión, falleció de un ataque cardíaco.

Mujeres de Tahití (En la playa), es un cuadro del pintor francés Paul Gauguin. Está realizado en óleo sobre lienzo. Mide 69 cm de alto y 91,5 cm de ancho. Fue pintado en 1891. Se encuentra en el Museo de Orsay, París, Francia. También es conocido como Tahitianas en la playa.

Este cuadro fue realizado por Gauguin durante su primera estancia en la isla de Tahití. Allí descubrió un tipo femenino distinto al de las mujeres europeas, que reflejó en numerosos cuadros, como este en el que unas mujeres tahitianas se encuentran en la playa.

Una de las mujeres, la que queda a la izquierda del cuadro, viste a la manera tradicional, con ornamentación esquemática y plana que recuerda las estampas japonesas. Sin embargo, la de la derecha viste un vestido rosa típico de las misioneras. En una versión posterior del mismo tema sustituyó este vestido por un pareo.

Está pintado con la técnica conocida como «cloisonismo»: encierra con trazos negros o azul de Prusia los colores planos. Destaca la monumentalidad del cuerpo humano, así como la perspectiva, forzada, que deforma los cuerpos.

Fuente:

http://fcalzado.es/impresionismo/xhtml/05posimp/05a.html

http://enciclopedia.us.es/index.php/Postimpresionismo

http://arteaula23.blogspot.com.ar/2011/05/postimpresionismo-cezanne-gauguin-van.html

http://www.alipso.com/monografias/gauguin/

http://es.wikipedia.org/wiki/Mujeres_de_Tahit%C3%AD

http://www.oni.escuelas.edu.ar/olimpi98/juanitoyramona/elmundoa.htm

IMPRESIONISMO

¿CUÁNDO?

El impresionismo surge hacia 1860 y se desarrolla hasta la primera década del siglo XX. coincide por lo tanto con el reinado de Isabel I de Inglaterra y el imperialismo británico hacia Asia y África sobre todo; es la etapa de mayor expansión de Gran Bretaña, se consolida el régimen parlamentario democrático y el liberalismo económico.
En Francia, cuna del Impresionismo, nos encontramos con la proclamación de la República y el mandato de Luis Napoleón Bonaparte, que restableció el Imperio y tomó el nombre de Napoleón III.Se produce la guerra franco-prusiana y en 1871 Francia es derrotada en la batalla de Sedán. Con la III República (1871-1914) Francia es ya un país industrializado y en pleno apogeo imperialista.
En España coincide con los años finales de Isabel II, el Sexenio democrático, reinado de Alfonso XII, Regencia de Mª Cristina y primeros años de Alfonso XIII.

¿QUÉ?

Es caracterizado, a grandes rasgos, por el intento de plasmar la luz (la "impresión" visual) y el instante, sin reparar en la identidad de aquello que la proyectaba. Es decir, si sus antecesores pintaban formas con identidad, los impresionistas pintarán el momento de luz, más allá de las formas que subyacen bajo este. El impresionismo rompía con las leyes del academicismo, suprimiendo la perspectiva tradicional, la anatomía clásica y el claroscuro. Los autores de este movimiento rechazaron los colores oscuros para buscar la claridad, la transparencia y la luminosidad. 

La temática era uno de los principales motivos de discrepancia que tenían los pintores impresionistas con la sociedad de la época. Procedentes de una clase social popular, o próxima a ella, a los impresionistas les resultaba placentero retratar gustos y costumbres que les eran familiares. Por el contrario, los clientes de arte, pertenecientes a las clases burguesas y aristocráticas, estaban acostumbrados al idealismo y al reflejo de la sofisticación en los cuadros. Como consecuencia, la alta sociedad consideraba que los impresionistas estaban en guerra contra la belleza.

¿CÓMO?

Los pintores consiguieron una pureza y saturación del color hasta entonces impensables, en ocasiones, con productos no naturales. A partir del uso de colores puros o saturados, los artistas dieron lugar a la ley del contraste cromático, es decir: «todo color es relativo a los colores que le rodean», y la ley de colores complementarios enriqueciendo el uso de colores puros bajo contrastes, generalmente de fríos y cálidos. Las sombras pasaron de estar compuestas por colores oscuros a estar compuestas por colores fríos o desaturados que, a la vez, creaban ilusión de profundidad. Del mismo modo, las luces pasaron de ser claras a ser saturadas y cálidas, resaltando del fondo.

El uso de pequeñas pinceladas de colores puros resultó en un todo vibrante; y, aunque las pinceladas aisladamente no obedecieran a la forma o al color local del modelo, en conjunto —al ser percibidas global y unitariamente— adquirían la unidad necesaria para percibir un todo definido. Este recurso fue llevado al máximo por losneoimpresionistas, también conocidos como puntillistas.

La descripción de la forma, relegada a segundo plano y dejada a manos del dibujante y no del pintor queda subordinada a la definición de las condiciones particulares de iluminación. Por eso los artistas impresionistas buscarán condiciones pintorescas de iluminación como retos a su genio, recurriendo a iluminaciones de interior por luz artificial  la iluminación natural filtrada o la iluminación al aire libre con reflejos en el agua o multitudes de gente. La pintura pasa a ocuparse de aquello que le es intrínseco: la luz y el color y en ningún caso a la descripción formal del volumen heredada delclasicismo. Así las formas se diluyen, se mezclan o se separan de forma imprecisa dependiendo de la luz a la que están sometidas, dando lugar a esa «impresión» que le da nombre al movimiento.

¿QUIÉN?

Uno de los más destacados artistas impresionistas es Claude Oscar Monet (París, 1840 - Giverny, 1926).  Sus inclinaciones artísticas nacieron del contacto con Boudin en Le Havre, y las excursiones al campo y la playa durante su adolescencia orientaron el posterior desarrollo de su pintura.

Después del servicio militar en Argelia, regresó a París, donde en el estudio de Gleyre conoció a jóvenes artistas como Renoir, Sisley y Bazille, y en el popular café Guerbois contactó con un grupo de intelectuales, literatos y pintores como Zola, Nadar, Cézanne y Degas, que junto con Manet comenzaban a oponerse al arte establecido. Los serios problemas económicos y el nacimiento de su hijo ilegítimo, Jean, en 1867, condujeron a Monet a vivir una época de hambre y pobreza extremas, así como a un intento frustrado de suicidio. Durante la contienda franco-prusiana, el artista se refugió en Inglaterra, donde conoció a Pissarro y obtuvo el apoyo económico y la amistad de Paul Durand-Ruel. Allí se interesó mucho por la obra de Turner, que tanto influiría en su percepción de la luz y el color. Según Monet, el pintor que se coloca ante la realidad no debe hacer distinciones entre sentido e intelecto.

Su obra más representativa del impresionismo es Impresión, sol naciente (1872).

Monet pintó el sol casi con la misma luminancia del cielo, una condición que sugiere humedad alta y atenuación atmosférica de la luz. Este detalle descansa sobre el uso de colores complementarios y variedad de temperaturas de color, en lugar de cambios de intensidad o valores contrastantes, para diferenciar el sol del cielo circundante. La pintura trata el valor de contraste simultáneo de los colores, situando tonos cálidos sobre otros opuestos que permiten resaltar, en la retina del espectador, unos tonos sobre otros. La vaporización será el elemento fundamental que invade la superficie, destacando esa humedad que invade la obra y que atenúa las tonalidades, es decir, el color se condiciona a esta atmósfera húmeda. El principal objetivo al que intentaba llegar Monet con esta obra es provocar una impresión en el espectador, por lo que nos encontramos con la importancia que se atribuye al espectador en el impresionismo. Las pinceladas son un tanto libres, rápidas y directas, reduciendo los elementos del cuadro a una simplificación aparente, tal y como se contempla en los reflejos del agua.

La obra es la que otorgó el nombre al movimiento. En 1874, al mostrarse la obra en la primera exposición impresionista, el crítico Louis Leroy empleó el término para referirse despectivamente a quienes hasta ese momento eran conocidos como el grupo de Manet.

Fuentes:

https://es.wikipedia.org/wiki/Impresionismo#T.C3.A9cnica_y_est.C3.A9tica_impresionista

http://www.artelista.com/impresionismo.html

http://ar.answers.yahoo.com/question/index?qid=20110124104253AA7XMwx

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/m/monet.htm

REALISMO

¿CUÁNDO?

El realismo, en el caso de las artes plásticas, consigue la máxima expresión en Francia, casi exactamente, en la mitad del siglo XIX y llegando al siglo XX. El contexto temporal que lo rodea se caracterizó por los avances de la tecnología, medicina y ciencia en general; fin de la esclavitud en los países desarrollados; liberación de la mujer en la mayor parte de los países; pero también por crisis y despotismos humanos, que causaron efectos como las Guerras Mundiales; el genocidio y el etnocidio, las políticas de exclusión social y la generalización del desempleo y la pobreza. Como consecuencia, se profundizaron las desigualdades en cuanto al desarrollo social, económico y tecnológico en los países del mundo. El desencanto por los fracasos revolucionarios hace que el arte abandone los temas políticos y se concentre en temas sociales. La industrialización determinó la desaparición del artesanado y la formación de una numerosa población obrera acumulada en los centros urbanos. Con ello, las condiciones de vida económica y social sufren una alteración profundísima, que se refleja en las ideologías.

¿QUÉ?

El realismo surge como oposición a movimientos como el romanticismo, en el sentido de que lo que se busca transmitir son imágenes de la vida cotidiana de los sectores más pobres de la sociedad. Se puede afirmar que su objetivo concreto es el de representar el mundo de una manera verídica, objetiva e imparcial. Por lo tanto, el realismo no puede idealizar. El artista puede inspirarse únicamente en la realidad, y  no debe embellecer en ningún aspecto aquello que pinta sino que debe reproducirlo exactamente en el modo en que lo ve. El pintor tiene como objetivo el encontrar la belleza particular de cada ser u objeto, por más imperfecto y peculiar que sea.

Los artistas toman conciencia de los terribles problemas sociales como el trabajo de niños y mujeres, los horarios excesivos, las viviendas insalubres y consideran que deben denunciar estas problemáticas.

¿CÓMO?

En cuanto se refiere a la técnica pictórica, es también la importancia que se da al desempeño, el cuidado que se otorga al claro-oscuro, a la perspectiva, y sobre todo al color; el afán constante por conseguir el efecto pictórico, y la plasticidad y relieve que se da al cuadro, mediante la franqueza y generosidad de la ejecución.
Es preciso hacer notar que desde el punto de vista técnico, el realismo no introduce novedades sino que revitaliza la técnica de los grandes maestros barrocos, especialmente de los españoles. El realismo barroco, en cuanto al estudio de la luz y de las calidades, vuelve a tener vigencia. La pincelada es firme, el contorno preciso. 

Los realistas se diferenciaron principalmente de sus antecesores en la elección de los temas. En cuanto a la técnica pictórica se mantuvieron convencionales y familiarizados con ellos, también sus cuadros se caracterizaban por la nitidez de las formas, la contextualización perspectiva del cuadro y las composiciones cerradas.

En general la técnica de los pintores realistas es muy detallista, muy puntual especialmente en los dibujos que realizan, ya sean como bosquejos de preparación, así como fondo o primer paso para aplicar el color. Usan el óleo y obviamente la pintura de caballete, las dimensiones varían según el autor y el tema elegido.

¿QUIÉN?

Jean François Millet (1841-1875), hijo de campesinos pobres, fue uno de los máximos representantes del movimiento pictórico realista. e distinguió como paisajista, pero en sus paisajes no olvida nunca a los campesinos, humildes, cabizbajos, pesimistas y redimidos por el trabajo. Es el mejor intérprete de la vida campesina y del hambre y la miseria que éste trae consigo. Contempló de cerca la situación en la que vivía, pero no la denunció en sus pinturas, sino que la representó tal y como era, plasmó la realidad.

En la obra Las Espigadoras (1857), muestra el trabajo rural, pero haciendo hincapié en lo social. Tres campesinas ataviadas con la vestimenta típica normanda recogen inclinadas los restos de la cosecha, el trabajo más duro y menos reconocido entre las tareas rurales. Sus posturas reflejan la fatiga que provoca su labor. Los personajes se sitúan en primer plano elevándolos a la categoría de héroes y la iluminación infiere dramatismo a toda la escena.

Al mostrar de una manera muy humanista la realidad de las clases rurales de la sociedad del siglo XIX, el cuadro fue muy mal recibido por la clase alta francesa.El cuadro actualmente se encuentra en exhibición permanente en el Museo de Orsay en París.

Las Espigadoras (Des Glaneuses) - Jean François Millet

1857 - Pintura al óleo

Fuentes:

http://es.wikipedia.org/wiki/Pintura_del_Realismo

http://www.monografias.com/trabajos88/realismo-formas-y-expresiones/realismo-formas-y-expresiones.shtml

http://www.monografias.com/trabajos82/realismo-pictorico/realismo-pictorico2.shtml

http://html.rincondelvago.com/realismo_11.html

http://www.ecured.cu/index.php/Realismo_pict%C3%B3rico

http://es.wikipedia.org/wiki/Las_espigadoras

ROMANTICISMO

¿CUÁNDO?

El romanticismo abarca casi todo el siglo XIX; pero su mayor apogeo se sitúa entre 1825 y 1875. La característica fundamental del siglo XIX son sus fuertes cambios. La ciencia y la economía se retroalimentarían, la segunda sufriría dos grandes revoluciones (una entre 1750 y 1840 y otra entre 1880 y 1914). En política, se producirían las revoluciones burguesas, que se explayarían por el mundo mediante el imperialismo y buscaría alianza con el movimiento obrero. En filosofía, surgirían los principios de la mayor parte de las corrientes de pensamiento contemporáneas (como el idealismo absoluto, el materialismo dialéctico, el nihilismo y el nacionalismo).

¿QUÉ?

El romanticismo es un movimiento artístico que surge en oposición al del neoclasicismo. Sin embargo, el romanticismo no puede sólo definirse en términos de oposición, pues desarrolló sus propias características: el individualismo, el sentimentalismo, el misticismo. Lo que busca es huir de la pura belleza exterior y encontrar el movimiento interior: se defiende la superioridad del sentimiento sobre la razón, y por ello exalta la sensibilidad, la imaginación y las pasiones. En general, revive aspectos de la Edad Media: los paisajes melancólicos, las ruinas, las tierras exóticas son descubiertos por el artista romántico. En la mujer se descubre no sólo la belleza del cuerpo, sino también el espíritu hermoso; es por eso que los artistas de este movimiento la tratan con toda consideración. Muchos de sus temas son extraídos de la historia, pero no en torno al mundo griego o romano y sus aspectos mitológicos, sino más bien al cuadro histórico con escenas de la vida.

¿CÓMO?

• Utiliza diferentes técnicas: el óleo, acuarelas, grabados y litografías.

• La textura comienza a ser valorada en sí misma y aparecen las superficies rugosas junto con las formas más sutiles. La pincelada es libre, viva y llena de expresividad.

• Desaparece la línea frente al color. Se recupera la potencia sugestiva del color, liberándose las formas y los límites excesivamente definidos. Es el agente emocional de primer orden

• La luz es importantísima y se cuidan sus gradaciones dando un carácter efectista y teatral.

• Las composiciones tienden a ser dinámicas, marcadas por las líneas curvas y los gestos dramáticos. 

¿QUIÉN?

Eugene Delacroix (1798-1863) es el patriarca del romanticismo. Su arte se formó en contacto con la pintura flamenca, italiana e inglesa del Louvre. Extrae sus temas de las leyendas antiguas o de la

literatura romántica. Comienza a presentar obras románticas desde 1823 como La libertad guiando al pueblo (abajo), obra que se convertirá en el símbolo de las revoluciones del siglo XIX.
El lienzo representa una escena del 28 de julio de 1830 en la que el pueblo de París levantó barricadas. El rey Carlos X de Francia había suprimido el parlamento por decreto y tenía la intención de restringir la libertad de prensa. Los disturbios iniciales se convirtieron en un levantamiento que desembocó en una revolución seguida por ciudadanos enojados de todas las clases sociales. No existió un único cabecilla. Por eso Delacroix representa a la Libertad como guía que conduce al pueblo. Tampoco está representada de una forma abstracta, sino que es una figura alegórica muy sensual y real.

Fuentes:

http://es.wikipedia.org/wiki/Pintura_rom%C3%A1ntica

http://tom-historiadelarte.blogspot.com.ar/2007/05/la-pintura-del-siglo-xix-el.html

http://www.quepintura.com/la-pintura-en-el-romanticismo/

http://es.wikipedia.org/wiki/La_Libertad_guiando_al_pueblo